Igor Fjodorovitš Stravinski |
Igor Stravinsky
…syntyin väärään aikaan. Luonne ja taipumus, kuten Bachin, vaikkakin eri mittakaavassa, minun pitäisi elää hämärässä ja luoda säännöllisesti vakiintuneelle palvelulle ja Jumalalle. Selvisin maailmassa, johon synnyin… selvisin… huolimatta kustantajien hukkailusta, musiikkifestivaaleista, mainonnasta… I. Stravinsky
… Stravinsky on todella venäläinen säveltäjä… Venäläinen henki on tuhoutumaton tämän todella suuren, monitahoisen lahjakkuuden sydämessä, joka on syntynyt Venäjän maasta ja liittyy siihen elinvoimaisesti… D. Šostakovitš
I. Stravinskyn luova elämä on elävää historiaa 1959-luvun musiikista. Se heijastaa kuin peilissä nykytaiteen kehitysprosesseja ja etsii uteliaasti uusia tapoja. Stravinsky ansaitsi maineen rohkeana perinteiden kumoajana. Hänen musiikissaan nousee esiin useita jatkuvasti risteäviä ja joskus vaikeasti luokiteltavia tyylejä, joista säveltäjä ansaitsi aikalaisiltaan lempinimen "tuhatkasvoinen mies". Hän on kuin taikuri baletistaan "Petrushka": hän siirtää vapaasti genrejä, muotoja, tyylejä luovalla näyttämöllään ikään kuin alistaen ne oman pelinsä säännöille. Väittäen, että "musiikki voi vain ilmaista itseään", Stravinsky pyrki kuitenkin elämään "con Tempo" (eli ajan mukana). Vuosina 63-1945 ilmestyneessä ”Dialogeissa” hän muistelee Pietarin katuääniä, Maslenitsa-juhlia Marsin kentällä, jotka hänen mukaansa auttoivat häntä näkemään Petruškan. Ja säveltäjä puhui Symphony in Three Movements (XNUMX) teokseksi, joka liittyy konkreettisiin vaikutelmiin sodasta, muistoihin Münchenin ruskeapaitojen julmuuksista, joiden uhriksi hän itse melkein joutui.
Stravinskyn universalismi on silmiinpistävää. Se ilmenee maailman musiikkikulttuurin ilmiöiden kattavuuden laajuudessa, luovien etsintöjen monipuolisuudessa, yli 40 vuotta kestäneen esiintyvän – pianistisen ja kapellimestarin – toiminnan intensiivisyydessä. Hänen henkilökohtaisten kontaktinsa erinomaisten ihmisten kanssa on ennennäkemätön. N. Rimski-Korsakov, A. Ljadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, "taiteen maailman" taiteilijat, A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, Six-ryhmän ranskalaiset säveltäjät – nämä ovat joidenkin nimiä. Stravinsky oli koko elämänsä ajan julkisen huomion keskipisteessä tärkeimpien taiteellisten polkujen risteyksessä. Hänen elämänsä maantiede kattaa monia maita.
Stravinsky vietti lapsuutensa Pietarissa, missä hänen mukaansa "oli jännittävän mielenkiintoista asua". Vanhemmat eivät pyrkineet antamaan hänelle muusikon ammattia, mutta koko tilanne suotui musiikilliseen kehitykseen. Talossa soi jatkuvasti musiikkia (säveltäjä F. Stravinskyn isä oli kuuluisa Mariinski-teatterin laulaja), siellä oli suuri taide- ja musiikkikirjasto. Stravinsky oli lapsuudesta lähtien kiehtonut venäläistä musiikkia. Kymmenvuotiaana hän oli onnekas nähdessään idollisemansa P. Tšaikovskin, joka omisti hänelle monta vuotta myöhemmin oopperan Mavra (1922) ja baletin Keijun suudelma (1928). Stravinsky kutsui M. Glinkaa "lapsuuteni sankariksi". Hän arvosti suuresti M. Mussorgskia, piti häntä "totuimpana" ja väitti, että hänen omissa kirjoituksissaan on vaikutteita "Boris Godunovista". Ystävälliset suhteet syntyivät Belyaevsky-piirin jäsenten kanssa, erityisesti Rimski-Korsakovin ja Glazunovin kanssa.
Stravinskyn kirjalliset kiinnostuksen kohteet syntyivät varhain. Ensimmäinen todellinen tapahtuma hänelle oli L. Tolstoin kirja "Lapsuus, murrosikä, nuoruus", A. Puškin ja F. Dostojevski pysyivät epäjumalina koko hänen elämänsä.
Musiikkitunnit alkoivat 9-vuotiaana. Se oli pianotuntia. Kuitenkin Stravinsky aloitti vakavat ammatilliset opinnot vasta vuoden 1902 jälkeen, kun hän opiskeli Pietarin yliopiston oikeustieteellisessä tiedekunnassa Rimski-Korsakovin johdolla. Samaan aikaan hän ystävystyi S. Diaghilevin, "taiteen maailman" taiteilijoiden kanssa, osallistui A. Silotin järjestämiin "Modern Musicin iltoihin", uuden musiikin konsertteihin. Kaikki tämä toimi sysäyksenä nopeaan taiteelliseen kypsymiseen. Stravinskyn ensimmäiset sävellyskokeilut – Pianosonaatti (1904), Faun and the Shepherdess laulu- ja sinfoninen sarja (1906), Sinfonia Es-duuri (1907), Fantastic Scherzo ja Ilotulitus orkesterille (1908) ovat vaikutuksen leimaamia. Rimski-Korsakovin koulusta ja ranskalaisista impressionisteista. Siitä hetkestä lähtien, kun Diaghilevin Venäjän vuodenaikoihin tilaamat baletit Tulilintu (1910), Petruška (1911), Kevätriitti (1913) lavastettiin Pariisissa, on kuitenkin tapahtunut valtava luova nousu. genre, josta Stravinsky piti elokuvassaan myöhemmin erityisesti, koska baletti on hänen sanojensa mukaan "ainoa teatteritaiteen muoto, joka asettaa kulmakiveksi kauneuden tehtävät eikä mitään muuta".
Balettien kolmikko avaa ensimmäisen – "venäläisen" - luovuuden ajanjakson, joka ei nimetty niin asuinpaikaksi (vuodesta 1910 Stravinsky asui pitkään ulkomailla ja vuonna 1914 asettui Sveitsiin), mutta sen erityispiirteiden ansiosta. tuolloin ilmestynyt musiikillinen ajattelu, syvästi pohjimmiltaan kansallinen. Stravinsky kääntyi venäläisen kansanperinteen puoleen, jonka eri kerrokset taittuivat hyvin omituisella tavalla kunkin baletin musiikissa. Firebird tekee vaikutuksen orkesterivärien ylenpalttisuudellaan, runollisten pyöreiden tanssisanojen kirkkailla kontrasteilla ja tulisilla tansseilla. A. Benois'n balettimuuliksi kutsumassa ”Petrushkassa” vuosisadan alun suosittuja kaupunkimelodioita, soundia, meluisa kirjava kuva lastausjuhlista herää henkiin, jota vastustaa yksinäinen kärsimyksen hahmo. Petruška. Muinainen pakanallinen uhririitti määritti "pyhän kevään" sisällön, joka ilmensi kevään uudistumisen alkusysäystä, tuhon ja luomisen mahtavat voimat. Kansanperinteen arkaismin syvyyksiin sukeltava säveltäjä uudistaa niin radikaalisti musiikin kieltä ja kuvia, että baletti teki aikalaisilleen vaikutelman räjähtävästä pommista. "XX vuosisadan jättiläinen majakka" kutsui sitä italialainen säveltäjä A. Casella.
Näiden vuosien aikana Stravinsky sävelsi intensiivisesti, työstäen usein useita luonteeltaan ja tyyliltään täysin erilaisia teoksia kerralla. Tällaisia olivat esimerkiksi venäläiset koreografiset kohtaukset Häät (1914-23), jotka jollain tavalla kaikuivat Kevään riitoihin, sekä upean lyyrinen ooppera Satakieli (1914). Buffoon-teatterin perinteitä elvyttävä Tarina ketusta, kukosta, kissasta ja lampaista (1917) on Sotilaan tarinan (1918) vieressä, jossa venäläiset melot alkavat jo neutraloitua, putoaa. konstruktivismin ja jazz-elementtien piiriin.
Vuonna 1920 Stravinsky muutti Ranskaan ja vuonna 1934 hän sai Ranskan kansalaisuuden. Se oli erittäin rikkaan luovan ja esiintyvän toiminnan aikaa. Nuoremman sukupolven ranskalaisten säveltäjien kannalta Stravinskysta tuli korkein auktoriteetti, "musiikkimestari". Hänen ehdokkuutensa epäonnistuminen Ranskan kuvataideakatemiaan (1936), jatkuvasti vahvistuvat liikesuhteet Yhdysvaltoihin, jossa hän konsertoi kahdesti menestyksekkäästi ja vuonna 1939 piti estetiikasta luentoja Harvardin yliopistossa – kaikki tämä sai hänet muuttamaan toisen maailmansodan alussa Amerikassa. Hän asettui Hollywoodiin (Kalifornia) ja vuonna 1945 hyväksyi Yhdysvaltain kansalaisuuden.
"Pariisilaisen" ajanjakson alku Stravinskylle osui jyrkän käänteen kanssa uusklassismiin, vaikka kokonaiskuva hänen työstään olikin melko kirjava. Alkaen baletista Pulcinella (1920) G. Pergolesin musiikkiin, hän loi kokonaisen sarjan uusklassisia teoksia: baletit Apollo Musagete (1928), Pelikortit (1936), Orpheus (1947); ooppera-oratorio Oidipus Rex (1927); melodraama Persephone (1938); ooppera The Rake's Progress (1951); Octett for Winds (1923), Psalmien sinfonia (1930), Konsertto viululle ja orkesterille (1931) ja muita. Stravinskyn uusklassismilla on universaali luonne. Säveltäjä mallintaa erilaisia musiikkityylejä JB Lullyn, JS Bachin, KV Gluckin aikakaudelta pyrkien vakiinnuttamaan "järjestyksen hallitsevan kaaoksen". Tämä on ominaista Stravinskylle, joka erottui aina pyrkimyksestään tiukkaan rationaaliseen luovuuden kuriin, joka ei sallinut emotionaalista ylivuotoa. Kyllä, ja itse musiikin sävellysprosessi Stravinsky ei suorittanut mielijohteesta, vaan "päivittäin, säännöllisesti, kuten henkilö, jolla on virallinen aika".
Juuri nämä ominaisuudet määrittelivät luovan evoluution seuraavan vaiheen erikoisuuden. 50-60 luvulla. säveltäjä sukeltaa Bachia edeltäneen ajan musiikkiin, kääntyy raamatullisiin, kulttijuomiin ja alkaa vuodesta 1953 soveltaa jäykästi rakentavaa dodekafonista sävellystekniikkaa. Pyhä hymni apostoli Markuksen kunniaksi (1955), baletti Agon (1957), Gesualdo di Venosan 400-vuotisjuhlamonumentti orkesterille (1960), kantaatti-allegoria Vedenpaisumus 1962-luvun englantilaisten mysteerien hengessä. (1966), Requiem ("Chants for the Dead", XNUMX) – nämä ovat tämän ajan merkittävimpiä teoksia.
Stravinskyn tyyli muuttuu niissä yhä askeettisemmaksi, rakentavasti neutraalimmaksi, vaikka säveltäjä itse puhuu teoksessaan kansallisen alkuperän säilyttämisestä: ”Olen puhunut venäjää koko ikäni, minulla on venäläinen tyyli. Ehkä musiikissani tämä ei heti näy, mutta se on sille luontaista, se on sen piilossa. Yksi Stravinskyn viimeisistä sävellyksistä oli kaanoni venäläisen kappaleen ”Not the Pine at the Gates Swayed” teemasta, jota käytettiin aiemmin baletin ”Firebird” finaalissa.
Siten säveltäjä palasi elämänsä ja luomispolkunsa loppuun saatettuaan alkuperin luo, kaukaista venäläistä menneisyyttä personoivaan musiikkiin, jonka kaipuu oli aina läsnä jossain sydämen syvyyksissä, välillä murtautui läpi lausunnoissa ja voimistui erityisesti sen jälkeen. Stravinsky vieraili Neuvostoliitossa syksyllä 1962. Silloin hän lausui merkitykselliset sanat: "Ihmisellä on yksi syntymäpaikka, yksi kotimaa - ja syntymäpaikka on päätekijä hänen elämässään."
O. Averyanova
- Luettelo Stravinskyn tärkeimmistä teoksista →
