David Fedorovich Oistrakh |
David Oistrakh
Neuvostoliitto on ollut pitkään kuuluisa viulistinsa. 30-luvulla esiintyjiemme loistavat voitot kansainvälisissä kilpailuissa hämmästyttivät maailman musiikkiyhteisöä. Neuvostoliiton viulukoulusta puhuttiin maailman parhaana. Loistavien kykyjen joukosta palmu kuului jo David Oistrakhille. Hän on säilyttänyt asemansa tähän päivään asti.
Oistrakhista on kirjoitettu monia artikkeleita, ehkä useimpien maailman kansojen kielillä; hänestä on kirjoitettu monografioita ja esseitä, ja näyttää siltä, ettei taiteilijasta ole sanoja, joita hänen upean lahjakkuutensa ihailijat eivät sanoisi taiteilijasta. Ja silti haluan puhua siitä uudestaan ja uudestaan. Ehkä yksikään viulisti ei heijastanut niin täydellisesti maamme viulutaiteen historiaa. Oistrakh kehittyi yhdessä Neuvostoliiton musiikkikulttuurin kanssa, imettäen syvästi sen ihanteet ja estetiikka. Maailmamme ”loi” hänet taiteilijaksi ohjaten huolellisesti taiteilijan suuren lahjakkuuden kehitystä.
On taidetta, joka tukahduttaa, synnyttää ahdistusta, saa sinut kokemaan elämän tragedioita; mutta on myös toisenlaista taidetta, joka tuo rauhaa, iloa, parantaa henkisiä haavoja, edistää uskon vahvistumista elämään, tulevaisuuteen. Jälkimmäinen on erittäin ominaista Oistrakhille. Oistrakhin taide todistaa hänen luontonsa, hänen henkimaailmansa hämmästyttävästä harmoniasta, kirkkaasta ja selkeästä elämänkäsityksestä. Oistrakh on etsivä taiteilija, joka on ikuisesti tyytymätön saavutuksiinsa. Hänen luovan elämäkerran jokainen vaihe on "uusi Oistrakh". 30-luvulla hän oli miniatyyrejen mestari painottaen pehmeää, viehättävää, kevyttä lyriikkaa. Tuolloin hänen soittonsa valloitti hienovaraisella graceilla, tunkeutuvilla lyyrisilla vivahteilla, hienostuneella täydellisyydellä jokaisen yksityiskohdan. Vuodet kuluivat, ja Oistrakh muuttui suurten, monumentaalisten muotojen mestariksi säilyttäen samalla entiset ominaisuutensa.
Ensimmäisessä vaiheessa hänen peliään hallitsivat "akvarellisävyt", jotka suuntautuivat irisoivaan, hopeanhohtoiseen värivalikoimaan, jossa oli huomaamattomia siirtymiä yhdestä toiseen. Khachaturian-konsertossa hän kuitenkin osoitti itsensä yhtäkkiä uudessa ominaisuudessa. Hän näytti luovan huumaavan värikkään kuvan, jossa oli syvät "samettiset" äänivärisävyt. Ja jos Mendelssohnin, Tšaikovskin konserteissa, Kreislerin, Skrjabinin, Debussyn miniatyyreissä hänet pidettiin puhtaasti lyyrisen lahjakkuuden esittäjänä, niin Hatšaturjanin konsertossa hän esiintyi upeana genremaalarina; hänen tulkinnastaan tästä konsertista on tullut klassikko.
Uusi vaihe, upean taiteilijan luovan kehityksen uusi huipentuma – Šostakovitšin konsertto. On mahdotonta unohtaa vaikutelmaa, jonka Oistrakhin esittämän Konsertin ensi-ilta jätti. Hän kirjaimellisesti muuttui; hänen pelinsä sai "sinfonisen" mittakaavan, traagisen voiman, "sydämen viisauden" ja tuskan ihmiselle, jotka ovat niin luontaisia suuren Neuvostoliiton säveltäjän musiikille.
Oistrakhin esitystä kuvattaessa on mahdotonta olla huomioimatta hänen korkeaa instrumentaalitaitoaan. Näyttää siltä, että luonto ei ole koskaan luonut näin täydellistä ihmisen ja instrumentin fuusiota. Samalla Oistrakhin esityksen virtuoosisuus on erityistä. Siinä on sekä loistoa että näyttävyyttä, kun musiikki sitä vaatii, mutta ne eivät ole pääasia, vaan plastisuus. Hämmästyttävä keveys ja helppous, jolla taiteilija suorittaa hämmentävimmät kohdat, on vertaansa vailla. Hänen esiintymislaitteistonsa täydellisyys on sellainen, että saat todellista esteettistä nautintoa, kun katsot hänen soittavan. Käsittämättömällä näppäryydellä vasen käsi liikkuu kaulaa pitkin. Ei ole teräviä tärähdyksiä tai kulmikkaita siirtymiä. Jokainen hyppy ylitetään ehdottomalla vapaudella, mikä tahansa sormien venyttely – äärimmäisellä joustavuudella. Jousi on ”linkitetty” jousiin siten, että Oistrakhin viulun värisevä, hyväilevä sointi ei pian unohdu.
Vuodet tuovat hänen taiteeseensa yhä enemmän piirteitä. Siitä tulee syvempää ja… helpompaa. Mutta kehittyvä, jatkuvasti eteenpäin siirtyvä Oistrakh pysyy "itsenä" - valon ja auringon taiteilijana, aikamme lyyrisin viulisti.
Oistrakh syntyi Odessassa 30. syyskuuta 1908. Hänen isänsä, vaatimaton toimistotyöntekijä, soitti mandoliinia, viulua ja oli suuri musiikin ystävä; äiti, ammattilaulaja, lauloi Odessan oopperatalon kuorossa. Neljän vuoden iästä lähtien pieni David kuunteli innokkaasti oopperoita, joissa hänen äitinsä lauloi, ja kotona hän soitti esityksiä ja "johti" kuvitteellista orkesteria. Hänen musikaalisuutensa oli niin ilmeinen, että hän kiinnostui tunnetusta opettajasta, joka tuli tunnetuksi työssään lasten kanssa, viulisti P. Stolyarskysta. Viiden vuoden iästä lähtien Oistrakh alkoi opiskella hänen kanssaan.
Ensimmäinen maailmansota syttyi. Oistrakhin isä meni rintamalle, mutta Stolyarsky jatkoi työtä pojan kanssa ilmaiseksi. Tuolloin hänellä oli yksityinen musiikkikoulu, jota Odessassa kutsuttiin "lahjakkuustehtaaksi". "Hänellä oli suuri, kiihkeä sielu taiteilijana ja poikkeuksellinen rakkaus lapsia kohtaan", Oistrakh muistelee. Stolyarsky juurrutti häneen rakkauden kamarimusiikkiin, pakotti hänet soittamaan musiikkia koulun yhtyeissä alttoviululla tai viululla.
Vallankumouksen ja sisällissodan jälkeen Odessassa avattiin Musiikki- ja draamainstituutti. Vuonna 1923 Oistrakh tuli tänne, ja tietysti Stolyarsky-luokkaan. Vuonna 1924 hän piti ensimmäisen soolokonserttinsa ja hallitsi nopeasti viuluohjelmiston keskeiset teokset (Bachin, Tšaikovskin, Glazunovin konsertit). Vuonna 1925 hän teki ensimmäisen konserttimatkansa Elizavetgradiin, Nikolajeviin, Khersoniin. Keväällä 1926 Oistrakh valmistui instituutista loistavasti, kun hän esitti Prokofjevin ensimmäisen konserton, Tartinin sonaatin "Paholaisen trillejä", A. Rubinsteinin sonaatin alttoviululle ja pianolle.
Huomattakoon, että Prokofjevin Konsertto valittiin päätenttiteokseksi. Tuolloin kaikki eivät voineet ottaa niin rohkeaa askelta. Prokofjevin musiikki ymmärsivät vain harvat, ja se saavutti vaikein mielin tunnustusta XNUMX-XNUMX. vuosisadan klassikoista kasvaneilta muusikoilta. Halu uutuuteen, nopea ja syvä uuden ymmärtäminen säilyi ominaisena Oistrakhille, jonka esityksen evoluutiota voidaan käyttää neuvostoliiton viulumusiikin historian kirjoittamiseen. Voidaan liioittelematta sanoa, että suurin osa Neuvostoliiton säveltäjien luomista viulukonsertoista, sonaateista, suurista ja pienimuotoisista teoksista esitettiin ensin Oistrakhin toimesta. Kyllä, ja XNUMX. vuosisadan ulkomaisesta viulukirjallisuudesta Oistrakh esitteli Neuvostoliiton kuuntelijat moniin suuriin ilmiöihin; esimerkiksi Szymanowskin, Chaussonin konsertot, Bartókin ensimmäinen konsertto jne.
Tietenkin, nuoruudessaan Oistrakh ei voinut ymmärtää Prokofjevin konserton musiikkia tarpeeksi syvästi, kuten taiteilija itse muistaa. Pian sen jälkeen, kun Oistrakh valmistui instituutista, Prokofjev tuli Odessaan kirjailijakonserttien kanssa. Hänen kunniakseen järjestetyssä illassa 18-vuotias Oistrakh esitti ensimmäisen konserton scherzon. Säveltäjä istui lavan vieressä. "Esitykselleni", muistelee Oistrakh, "hänen kasvonsa muuttuivat yhä synkemmiksi. Kun aplodit puhkesivat, hän ei osallistunut niihin. Lähestyessään lavaa, huomioimatta yleisön melua ja jännitystä, hän pyysi pianistia väistymään ja kääntyi minuun sanoin: "Nuori mies, sinä et soita ollenkaan niin kuin pitäisi", hän aloitti. näyttää ja selittää minulle hänen musiikkinsa luonnetta. . Monia vuosia myöhemmin Oistrakh muistutti Prokofjevia tästä tapauksesta, ja hän oli näkyvästi hämmentynyt, kun hän sai tietää, kuka oli hänestä niin paljon kärsinyt "onneton nuori mies".
20-luvulla F. Kreislerillä oli suuri vaikutus Oistrakhiin. Oistrakh tutustui esitykseensä äänitteiden kautta ja hänen tyylinsä omaperäisyys valloitti. Kreislerin valtava vaikutus 20- ja 30-luvun viulistien sukupolveen nähdään yleensä sekä positiivisena että negatiivisena. Ilmeisesti Kreisler oli "syyllinen" Oistrakhin kiehtomiseen pientä muotoa kohtaan – miniatyyreihin ja transkriptioihin, joissa Kreislerin sovitukset ja alkuperäiset näytelmät saivat merkittävän paikan.
Intohimo Kreisleriin oli yleismaailmallista, ja harvat jäivät välinpitämättömäksi hänen tyyliinsä ja luovuuteensa. Kreisleristä Oistrakh otti käyttöön joitain soittotekniikoita – ominaista glissandoa, vibratoa, portamentoa. Ehkä Oistrakh on velkaa "Kreisler-koululle" eleganssista, helppoudesta, pehmeydestä ja "kammio"-sävyjen rikkaudesta, joka valloittaa meidät hänen pelissään. Kuitenkin kaikki, mitä hän lainasi, oli hänen käsitelty epätavallisen orgaanisesti jo tuolloin. Nuoren taiteilijan yksilöllisyys osoittautui niin kirkkaaksi, että se muutti minkä tahansa "hankinnan". Aikuisena aikana Oistrakh jätti Kreislerin ja asetti häneltä kerran omaksumat ilmeikkäät tekniikat täysin erilaisten tavoitteiden palvelukseen. Halu psykologismiin, monimutkaisen syvien tunteiden maailman toistaminen johti hänet deklamatorisen intonoinnin menetelmiin, joiden luonne on suoraan päinvastainen Kreislerin eleganttien, tyyliteltyjen sanoitusten kanssa.
Kesällä 1927 kiovalaisen pianisti K. Mihailovin aloitteesta Oistrakh esiteltiin AK Glazunoville, joka oli tullut Kiovaan johtamaan useita konsertteja. Hotellissa, johon Oistrakh tuotiin, Glazunov säestää nuorta viulistia hänen konsertossaan pianolla. Glazunovin johdolla Oistrakh esitti konserton kahdesti julkisesti orkesterin kanssa. Odessassa, jonne Oistrakh palasi Glazunovin kanssa, hän tapasi siellä kiertueella ollut Poljakinin ja hetken kuluttua kapellimestari N. Malkon, joka kutsui hänet ensimmäiselle matkalleen Leningradiin. 10. lokakuuta 1928 Oistrakh teki onnistuneen debyytin Leningradissa; nuori taiteilija sai suosiota.
Vuonna 1928 Oistrakh muutti Moskovaan. Jonkin aikaa hän elää vierailevana esiintyjänä matkustaen ympäri Ukrainaa konserteilla. Hänen taiteellisen toiminnan kannalta suuri merkitys oli voitto koko Ukrainan viulukilpailussa vuonna 1930. Hän voitti ensimmäisen palkinnon.
Ukrainan valtionorkesterien ja -yhtyeiden konserttitoimiston johtaja P. Kogan kiinnostui nuoresta muusikosta. Erinomainen organisaattori, hän oli merkittävä hahmo "neuvostoliiton impressario-kasvattajasta", kuten häntä voidaan kutsua hänen toimintansa suunnan ja luonteen mukaan. Hän oli todellinen klassisen taiteen propagandisti massojen keskuudessa, ja monet Neuvostoliiton muusikot muistavat hänestä hyvän muistin. Kogan teki paljon Oistrakhin popularisoimiseksi, mutta silti viulistin pääkonserttialue oli Moskovan ja Leningradin ulkopuolella. Vasta vuoteen 1933 mennessä Oistrakh aloitti tiensä myös Moskovassa. Hänen esiintymisensä Mozartin, Mendelssohnin ja Tšaikovskin konsertoista koostuvalla ohjelmalla, joka esitettiin yhdessä illassa, oli tapahtuma, josta musikaali Moskova puhui. Oistrakhista kirjoitetaan arvosteluja, joissa todetaan, että hänen soittonsa kantaa Neuvostoliiton nuoren sukupolven parhaat ominaisuudet, että tämä taide on tervettä, ymmärrettävää, iloista, vahvatahtoista. Kriitikot huomaavat osuvasti hänen esiintymistyylinsä pääpiirteet, jotka olivat hänelle tyypillisiä noina vuosina – poikkeuksellinen taito pienten teosten esittämisessä.
Samaan aikaan yhdestä artikkeleista löydämme seuraavat rivit: "On kuitenkin ennenaikaista ajatella, että miniatyyri on hänen genrensä. Ei, Oistrakhin sfääri on plastista, siromuotoista musiikkia, täysiveristä, optimistista musiikkia.
Vuonna 1934 A. Goldenweiserin aloitteesta Oistrakh kutsuttiin konservatorioon. Tästä alkoi hänen opettajanuransa, joka jatkuu nykypäivään.
30-luku oli Oistrakhin loistavien voittojen aikaa koko unionin ja maailman näyttämöllä. 1935 – ensimmäinen palkinto II liittovaltion esiintyvien muusikoiden kilpailussa Leningradissa; samana vuonna, muutamaa kuukautta myöhemmin – toinen palkinto Henryk Wieniawskin kansainvälisessä viulukilpailussa Varsovassa (ensimmäisen palkinnon sai Ginette Neve, Thibaut'n oppilas); 1937 – ensimmäinen palkinto Eugene Ysaye kansainvälisessä viulukilpailussa Brysselissä.
Viimeisin kilpailu, jossa seitsemästä ensimmäisestä palkinnosta kuusi voittivat neuvostoviulistit D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova ja M. Fikhtengolts, arvioi maailman lehdistö neuvostoviulun voitoksi. koulu. Kilpailun tuomariston jäsen Jacques Thibault kirjoitti: ”Nämä ovat upeita kykyjä. Neuvostoliitto on ainoa maa, joka on huolehtinut nuorista taiteilijoistaan ja tarjonnut heille täydet mahdollisuudet kehittyä. Tästä päivästä lähtien Oistrakh on saavuttamassa maailmanlaajuista mainetta. He haluavat kuunnella häntä kaikissa maissa."
Kilpailun jälkeen sen osallistujat esiintyivät Pariisissa. Kilpailu avasi Oistrakhille tien laajaan kansainväliseen toimintaan. Kotona Oistrakhista tulee suosituin viulisti, joka kilpailee tässä suhteessa menestyksekkäästi Miron Polyakinin kanssa. Mutta tärkeintä on, että hänen viehättävä taiteensa houkuttelee säveltäjien huomion ja stimuloi heidän luovuuttaan. Vuonna 1939 luotiin Myaskovsky-konsertto, vuonna 1940 - Hatšaturjan. Molemmat konsertit on omistettu Oistrakhille. Myaskovskin ja Hatšaturjanin konserttojen esitystä pidettiin suurena tapahtumana maan musiikkielämässä, se oli merkittävän taiteilijan toiminnan sotaa edeltävän ajan tulos ja huipentuma.
Sodan aikana Oistrakh konsertoi jatkuvasti ja soitti sairaaloissa, takana ja edessä. Kuten useimmat Neuvostoliiton taiteilijat, hän on täynnä isänmaallista innostusta, vuonna 1942 hän esiintyy piiritetyssä Leningradissa. Sotilaat ja työntekijät, merimiehet ja kaupungin asukkaat kuuntelevat häntä. ”Oki tuli tänne raskaan työpäivän jälkeen kuuntelemaan Moskovasta kotoisin olevaa Manner-artistia Oistrakhia. Konsertti ei ollut vielä ohi, kun ilmahyökkäys ilmoitettiin. Kukaan ei poistunut huoneesta. Konsertin päätyttyä taiteilija toivotettiin lämpimästi tervetulleeksi. Erityisen suosionosoitukset lisääntyivät, kun D. Oistrakhin valtionpalkinnon myöntämisestä annettiin asetus…”.
Sota on ohi. Vuonna 1945 Yehudi Menuhin saapui Moskovaan. Oistrakh soittaa hänen kanssaan Bachin kaksoiskonserton. Kaudella 1946/47 hän esitti Moskovassa suurenmoisen viulukonserton historialle omistetun syklin. Tämä esitys muistuttaa A. Rubinsteinin kuuluisia historiallisia konsertteja. Sykliin kuului muun muassa Elgarin, Sibeliuksen ja Waltonin konserttoja. Hän määritteli jotain uutta Oistrakhin luovassa imagossa, josta on sittemmin tullut hänen luovuttamaton ominaisuutensa – universalismi, halu saada laaja kattavuus kaikkien aikojen ja kansojen viulukirjallisuudesta, mukaan lukien nykyaika.
Sodan jälkeen Oistrakh avasi mahdollisuudet laajalle kansainväliselle toiminnalle. Hänen ensimmäinen matkansa tapahtui Wienissä vuonna 1945. Arvostelu hänen esityksestään on huomionarvoinen: ”…Vain hänen aina tyylikkään soittonsa henkinen kypsyys tekee hänestä korkean inhimillisyyden saarnaajan, todella merkittävän muusikon, jonka paikka on ykkössijalla. maailman viulistit."
Vuosina 1945-1947 Oistrakh tapasi Enescun Bukarestissa ja Menuhinin Prahassa; vuonna 1951 hänet nimitettiin Belgian kuningatar Elisabeth International Competition -kilpailun tuomariston jäseneksi Brysselissä. 50-luvulla koko ulkomainen lehdistö arvioi hänet yhdeksi maailman suurimmista viulisteista. Brysselissä hän esiintyy Thibaultin kanssa, joka johtaa orkesteria konsertossaan ja soittaa Bachin, Mozartin ja Beethovenin konserttoja. Thiebaud on täynnä syvää ihailua Oistrakhin lahjakkuutta kohtaan. Arvostelut hänen esityksestään Düsseldorfissa vuonna 1954 korostavat hänen esityksensä läpitunkevaa ihmisyyttä ja henkisyyttä. ”Tämä mies rakastaa ihmisiä, tämä taiteilija rakastaa kaunista, jaloa; Hänen ammattinsa on auttaa ihmisiä kokemaan tämä."
Näissä arvosteluissa Oistrakh esiintyy musiikin humanistisen periaatteen syvyyksiin saavuttavana esiintyjänä. Hänen taiteensa emotionaalisuus ja lyyrisyys ovat psykologisia, ja tämä vaikuttaa kuulijoihin. "Kuinka tiivistää vaikutelmat David Oistrakhin pelistä? – kirjoitti E. Jourdan-Morrange. – Yleiset määritelmät, olivatpa ne kuinka dityramisia tahansa, eivät ole hänen puhtaan taiteensa arvoisia. Oistrakh on täydellisin viulisti, jonka olen koskaan kuullut, ei vain Heifetzin tekniikkaa vastaavan tekniikan suhteen, vaan erityisesti siksi, että tämä tekniikka on täysin käännetty musiikin palvelukseen. Mikä rehellisyys, mikä jalo teloitus!
Vuonna 1955 Oistrakh meni Japaniin ja Yhdysvaltoihin. Japanissa he kirjoittivat: ”Tämän maan yleisö osaa arvostaa taidetta, mutta on taipuvainen hillityksi tunteiden ilmentymiseen. Tässä hän kirjaimellisesti tuli hulluksi. Upeat suosionosoitukset sulautuivat "bravo!" ja näytti pystyvän tainnuttamaan. Oistrakhin menestys USA:ssa rajoittui voittoon: ”David Oistrakh on loistava viulisti, yksi aikamme todella suurista viulisteista. Oistrakh ei ole mahtava vain siksi, että hän on virtuoosi, vaan myös aito henkinen muusikko. F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte kuuntelivat Oistrakhia Carnegie Hallin konsertissa.
– Minua liikutti erityisesti Kreislerin läsnäolo hallissa. Kun näin upean viulistin kuuntelevan tarkasti soittoani ja sitten taputtavan minulle seisomassa, kaikki tapahtui näytti joltain suurelta unelta. Oistrakh tapasi Kreislerin toisella vierailullaan Yhdysvalloissa vuosina 1962-1963. Kreisler oli tuolloin jo hyvin vanha mies. Tapaamisista loistavien muusikoiden kanssa on mainittava myös P. Casalsin tapaaminen vuonna 1961, joka jätti syvän jäljen Oistrakhin sydämeen.
Oistrakhin esityksen kirkkain linja on kamariyhtyemusiikki. Oistrakh osallistui kamari-iltoille Odessassa; myöhemmin hän soitti triossa Igumnovin ja Knushevitskyn kanssa ja korvasi viulisti Kalinovskyn tässä kokoonpanossa. Vuonna 1935 hän muodosti sonaattiyhtyeen L. Oborinin kanssa. Oistrakhin mukaan se tapahtui näin: he menivät Turkkiin 30-luvun alussa, ja siellä heidän piti soittaa sonaatti-ilta. Heidän "musiikkitajunsa" osoittautui niin läheiseksi, että syntyi ajatus jatkaa tätä satunnaista assosiaatiota.
Lukuisat esitykset yhteisiltoina toivat yhden suurimmista Neuvostoliiton sellisteistä Svjatoslav Knushevitskyn lähemmäksi Oistrakhia ja Oborinia. Päätös perustaa pysyvä trio tehtiin vuonna 1940. Tämän merkittävän kokoonpanon ensimmäinen esitys tapahtui vuonna 1941, mutta järjestelmällinen konserttitoiminta alkoi vuonna 1943. Trio L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky monta vuotta (kunnes 1962, kun Knushevitsky kuoli) oli Neuvostoliiton kamarimusiikin ylpeys. Tämän yhtyeen lukuisat konsertit keräsivät poikkeuksetta täydet salit innostunutta yleisöä. Hänen esiintymisensä pidettiin Moskovassa, Leningradissa. Vuonna 1952 trio matkusti Beethoven-juhliin Leipzigiin. Oborin ja Oistrakh esittivät koko Beethovenin sonaattisyklin.
Trion peli erottui harvinaisesta johdonmukaisuudesta. Knushevitskyn huomattavan tiheä kantileeni, jonka soundi, samettinen sointi, täydellisesti yhdistetty Oistrakhin hopeiseen soundiin. Heidän soundiaan täydensi laulaminen pianolla Oborin. Musiikissa taiteilijat paljastivat ja korostivat sen lyyristä puolta, heidän soittoaan erottui rehellisyys, sydämestä tuleva pehmeys. Yleisesti ottaen yhtyeen esitystyyliä voidaan kutsua lyyriseksi, mutta klassisella tasapainolla ja tiukkuudella.
Oborin-Oistrakh Ensemble on olemassa edelleen. Heidän sonaatti-iltansa jättävät vaikutelman tyylillisestä eheydestä ja täydellisyydestä. Oborinin näytelmään kuuluva runous yhdistyy musiikillisen ajattelun ominaislogiikkaan; Oistrakh on erinomainen kumppani tässä suhteessa. Tämä on kokonaisuus, jolla on hieno maku, harvinainen musiikillinen älykkyys.
Oistrakh tunnetaan kaikkialla maailmassa. Häntä leimaavat monet nimikkeet; vuonna 1959 Lontoon Royal Academy of Music valitsi hänet kunniajäseneksi, vuonna 1960 hänestä tuli Rooman St. Cecilian kunniaakateemikko; vuonna 1961 - Saksan taideakatemian kirjeenvaihtajajäsen Berliinissä sekä American Academy of Sciences and Arts -akatemian jäsen Bostonissa. Oistrakhille myönnettiin Leninin ritarikunta ja kunniamerkki; hänelle myönnettiin Neuvostoliiton kansantaiteilijan arvonimi. Vuonna 1961 hänelle myönnettiin Lenin-palkinto, ensimmäinen Neuvostoliiton esiintyvistä muusikoista.
Yampolskyn Oistrakhia käsittelevässä kirjassa hänen luonteenpiirteensä on vangittu ytimekkäästi ja lyhyesti: lannistumaton energia, kova työ, terävä kriittinen mieli, joka kykenee huomaamaan kaiken, mikä on ominaista. Tämä käy ilmi Oistrakhin arvioista erinomaisten muusikoiden soittamisesta. Hän osaa aina osoittaa oleellisimman, luonnostella tarkan muotokuvan, antaa hienovaraisen tyylianalyysin, huomata muusikon ulkonäössä tyypillisen. Hänen tuomioihinsa voi luottaa, koska ne ovat suurimmaksi osaksi puolueettomia.
Yampolsky huomauttaa myös huumorintajusta: ”Hän arvostaa ja rakastaa kohdennettua, terävää sanaa, pystyy nauramaan tarttuvaan, kun hän kertoo hauskaa tarinaa tai kuuntelee sarjakuvaa. Kuten Heifetz, hän osaa hilpeästi kopioida aloittelevien viulistien soittoa. Joka päivä käyttämänsä valtavan energian ansiosta hän on aina älykäs, hillitty. Arkielämässä hän rakastaa urheilua – nuorempana hän pelasi tennistä; erinomainen autoilija, joka rakastaa intohimoisesti shakkia. 30-luvulla hänen shakkikumppaninsa oli S. Prokofjev. Ennen sotaa Oistrakh oli ollut taiteilijoiden keskustalon urheiluosaston puheenjohtaja useita vuosia ja ensiluokkainen shakkimestari.
Lavalla Oistrakh on vapaa; hänessä ei ole jännitystä, joka niin varjostaa valtavan esiintyvien muusikoiden monimuotoisuutta. Muistakaamme, kuinka tuskallisesti huolissaan Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, kuinka paljon hermostunutta energiaa he käyttivät jokaiseen esitykseen. Oistrakh rakastaa näyttämöä ja, kuten hän myöntää, vain merkittävät tauot esityksissä aiheuttavat hänelle jännitystä.
Oistrakhin työ ylittää suoran esiintymistoiminnan. Hän osallistui paljon viulukirjallisuuteen toimittajana; esimerkiksi hänen versionsa (yhdessä K. Mostraksen kanssa) Tšaikovskin viulukonsertosta on erinomainen, rikastaa ja suurelta osin korjaa Auerin versiota. Osoittakaamme myös Oistrakhin työtä molemmissa Prokofjevin viulusonaateissa. Viulistit ovat hänelle velkaa sen tosiasian, että Prokofjev teki alun perin huilulle ja viululle kirjoitetun toisen sonaatin uudelleen viululle.
Oistrakh työskentelee jatkuvasti uusien teosten parissa ja on heidän ensimmäinen tulkkinsa. Luettelo Neuvostoliiton säveltäjien uusista teoksista, jotka Oistrakh on "julkaissut", on valtava. Vain muutamia mainitakseni: Prokofjevin sonaatit, Myaskovskyn, Rakovin, Hatšaturjan, Šostakovitšin konsertot. Oistrakh kirjoittaa toisinaan artikkeleita soittamistaan kappaleista, ja joku musiikkitieteilijä saattaa kadehtia hänen analyysiään.
Upeita ovat esimerkiksi Myaskovskyn ja erityisesti Šostakovitšin viulukonserton analyysit.
Oistrakh on erinomainen opettaja. Hänen oppilaidensa joukossa on kansainvälisten kilpailujen voittajat V. Klimov; hänen poikansa, tällä hetkellä näkyvä konserttisolisti I. Oistrakh, sekä O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Monet ulkomaiset viulistit pyrkivät pääsemään Oistrakhin luokkaan. Hänen alaisuudessaan opiskelivat ranskalaiset M. Bussino ja D. Arthur, turkkilainen E. Erduran, australialainen viulisti M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar Jugoslaviasta, bulgarialainen B. Lechev, romanialaiset I. Voicu, S. Georgiou. Oistrakh rakastaa pedagogiikkaa ja työskentelee luokkahuoneessa intohimoisesti. Hänen menetelmänsä perustuu pääosin hänen omaan esiintymiskokemukseensa. ”Hänen kommentit tästä tai tuosta suoritustavasta ovat aina ytimekkäitä ja erittäin arvokkaita; jokaisessa sanan neuvossa hän osoittaa syvää ymmärrystä soittimen luonteesta ja viulunsoiton tekniikoista.
Hän pitää erittäin tärkeänä sitä, että opettaja esittelee suoraan soittimella opiskelijan opiskeleman kappaleen. Mutta vain näyttäminen on hänen mielestään hyödyllistä lähinnä silloin, kun opiskelija analysoi työtä, koska se voi edelleen haitata opiskelijan luovan yksilöllisyyden kehittymistä.
Oistrakh kehittää taitavasti oppilaidensa teknisiä laitteita. Useimmissa tapauksissa hänen lemmikkinsä erottuu instrumentin hallussapidon vapaudesta. Samaan aikaan erityinen huomio teknologiaan ei ole millään tavalla ominaista opettaja Oistrakhille. Hän on paljon enemmän kiinnostunut opiskelijoidensa musiikillisen ja taiteellisen koulutuksen ongelmista.
Viime vuosina Oistrakh on ollut kiinnostunut kapellimestarina. Hänen ensimmäinen esiintymisensä kapellimestarina tapahtui 17. helmikuuta 1962 Moskovassa – hän säesti poikaansa Igoria, joka esitti Bachin, Beethovenin ja Brahmsin konserttoja. ”Oistrakhin johtamistyyli on yksinkertainen ja luonnollinen, aivan kuten hänen viulunsoittonsa. Hän on rauhallinen, niukka tarpeettomilla liikkeillä. Hän ei tukahduta orkesteria kapellimestarin ”voimallaan”, vaan antaa esiintyjäryhmälle maksimaalisen luovan vapauden jäsentensä taiteelliseen intuitioon luottaen. Suuren taiteilijan viehätys ja auktoriteetti vaikuttavat muusikoihin vastustamattomasti.”
Vuonna 1966 Oistrakh täytti 58 vuotta. Hän on kuitenkin täynnä aktiivista luovaa energiaa. Hänen taitonsa erottaa edelleen vapaus, ehdoton täydellisyys. Sitä vain rikastutti pitkän elämän taiteellinen kokemus, joka oli täysin omistautunut rakkaalle taiteelleen.
L. Raaben, 1967
