Alexander Aleksandrovich Slobodyanik |

Aleksanteri Slobodyanik

Alexander Alexandrovich Slobodyanik oli nuoresta iästä lähtien asiantuntijoiden ja suuren yleisön huomion keskipisteessä. Nykyään, kun hänellä on useita vuosia konserttisuorituksia vyönsä alla, voidaan virheen pelkäämättä sanoa, että hän oli ja on edelleen yksi sukupolvensa suosituimmista pianisteista. Hän on näyttävä näyttämöllä, hänellä on vaikuttava ulkonäkö, pelissä voi tuntea suuren, omituisen lahjakkuuden – sen voi tuntea heti ensimmäisistä nuoteista lähtien. Ja silti yleisön myötätunto häntä kohtaan johtuu ehkä erityisistä syistä. Lahjakas ja lisäksi ulkoisesti näyttävä konserttilavalla on enemmän kuin tarpeeksi; Slobodianik houkuttelee muita, mutta siitä lisää myöhemmin.

• Pianomusiikkia Ozon-verkkokaupassa →

Slobodyanyk aloitti säännöllisen harjoittelunsa Lvivissä. Hänen isänsä, kuuluisa lääkäri, rakasti musiikkia pienestä pitäen, kerran hän oli jopa sinfoniaorkesterin ensimmäinen viulu. Äiti ei ollut huono soittamaan pianoa, ja hän opetti pojalleen ensimmäiset tämän instrumentin soittotunnit. Sitten poika lähetettiin musiikkikouluun Lydia Veniaminovna Galemboon. Siellä hän kiinnitti nopeasti huomiota itseensä: XNUMX-vuotiaana hän soitti Lvivin filharmonikkojen Beethovenin kolmannen pianon ja orkesterin konserton salissa ja esiintyi myöhemmin klaveriyhtyeessä. Hänet siirrettiin Moskovaan Keski kymmenen vuoden musiikkikouluun. Jonkin aikaa hän oli Sergei Leonidovich Dizhurin, tunnetun Moskovan muusikon, yhden Neuhausin koulun oppilaista, luokassa. Sitten Heinrich Gustavovich Neuhaus itse otti hänet opiskelijakseen.

Neuhausin kanssa Slobodyanikin tunnit, voisi sanoa, eivät onnistuneet, vaikka hän pysyi kuuluisan opettajan lähellä noin kuusi vuotta. "Se ei tietenkään onnistunut yksinomaan minun syytäni", pianisti sanoo, "mitä en lakkaa katumasta tähän päivään asti." Slobodyannik (rehellisesti sanottuna) ei koskaan kuulunut niille, joilla on maine järjestäytyneenä, kerättynä ja kykenevänä pitämään itsensä itsekurinsa rautaisissa puitteissa. Hän opiskeli nuoruudessaan epätasaisesti mielialansa mukaan; hänen varhaiset menestyksensä johtuivat paljon enemmän rikkaasta luontaisesta lahjakkuudesta kuin systemaattisesta ja määrätietoisesta työstä. Neuhaus ei ollut yllättynyt lahjakkuudestaan. Kykyviä nuoria hänen ympärillään oli aina runsaasti. "Mitä suurempi lahjakkuus", hän toisti useammin kuin kerran piirissään, "se oikeutetumpi on varhaisen vastuun ja itsenäisyyden vaatimus" (Neigauz GG Pianonsoiton taiteesta. – M., 1958. S. 195.). Kaikella energiallaan ja kiihkeästi hän kapinoi sitä vastaan, mitä hän myöhemmin ajatuksissaan palatessaan Slobodyanikiin kutsui diplomaattisesti "erilaisten velvollisuuksien täyttämättä jättämiseksi". (Neigauz GG Heijastuksia, muistoja, päiväkirjoja. S. 114.).

Slobodyanik itse myöntää rehellisesti, että hän on itsearvioinnissaan yleensä erittäin suoraviivainen ja vilpitön. "Hienommin sanoen minä en ollut aina kunnolla valmistautunut Genrikh Gustavovichin tunneille. Mitä voin sanoa nyt puolustukseksi? Lvovin jälkeinen Moskova valloitti minut monilla uusilla ja voimakkailla vaikutelmilla… Se käänsi päätäni kirkkailla, näennäisesti poikkeuksellisen houkuttelevilla suurkaupunkielämän ominaisuuksilla. Minua kiehtoi monet asiat – usein työn kustannuksella.

Lopulta hänen täytyi erota Neuhausista. Siitä huolimatta upean muusikon muisto on hänelle edelleen rakas: ”On ihmisiä, joita ei yksinkertaisesti voi unohtaa. He ovat kanssasi aina, loppuelämäsi ajan. On aivan oikein sanottu: taiteilija on elossa niin kauan kuin hänet muistetaan... Muuten, tunsin Henry Gustavovichin vaikutuksen hyvin pitkään, silloinkin kun en enää ollut hänen luokassaan."

Slobodyanik valmistui konservatoriosta ja sitten tutkijakoulusta Neuhausin opiskelijan Vera Vasilievna Gornostaevan johdolla. "Upea muusikko", hän sanoo viimeisestä opettajastaan, "hieno, oivaltava… Mies, jolla on hienostunut henkinen kulttuuri. Ja mikä minulle oli erityisen tärkeää, oli erinomainen järjestäjä: olen hänen tahtonsa ja energiansa velkaa yhtä paljon kuin hänen mielensä. Vera Vasilievna auttoi minua löytämään itseni musiikillisessa esityksessä.

Gornostaevan avulla Slobodyanik suoritti menestyksekkäästi kilpailukauden. Jo aikaisemmin, opintojensa aikana, hänet palkittiin kilpailuissa Varsovassa, Brysselissä ja Prahassa. Vuonna 1966 hän esiintyi viimeisen kerran Kolmannessa Tšaikovski-kilpailussa. Ja hänelle myönnettiin kunnia-neljäs palkinto. Hänen oppisopimusjaksonsa päättyi, ammattikonserttiesiintyjän arki alkoi.

… Mitkä ovat Slobodianikin ominaisuudet, jotka houkuttelevat yleisöä? Jos tarkastellaan "hänen" lehdistöään XNUMX-luvun alusta nykypäivään, siinä on tahattomasti silmiinpistävää sellaisten ominaisuuksien runsaus kuin "emotionaalinen rikkaus", "tunteiden täyteys", "taiteellisen kokemuksen spontaanisuus" jne. , ei niin harvinainen, löytyy monista arvosteluista ja musiikkikriittisistä arvosteluista. Samalla on vaikea tuomita Slobodyanykia koskevien materiaalien tekijöitä. Olisi erittäin vaikeaa valita toista, puhua hänestä.

Todellakin, Slobodyanik pianon ääressä on taiteellisen kokemuksen täyteys ja anteliaisuus, tahdon spontaanisuus, intohimon terävä ja vahva käänne. Eikä ihme. Elävä emotionaalisuus musiikin välittämisessä on varma merkki esiintymiskyvystä; Slobodian, kuten sanottiin, on erinomainen lahjakkuus, luonto antoi hänelle täysin, ilman pistelyä.

Luulen kuitenkin, että tässä ei ole kyse vain synnynnäisestä musikaalisuudesta. Slobodyanikin esityksen korkean emotionaalisen intensiivisyyden takana lavakokemusten täyteläisyys ja rikkaus on kyky havaita maailma kaikessa rikkaudessaan ja sen värien rajaton monivärisyys. Kyky elävästi ja innostuneesti reagoida ympäristöön, tehdä sekalaista: nähdä laajasti, ottaa vastaan ​​kaikki mikä kiinnostaa, hengittää, kuten sanotaan, täydellä rinnalla… Slobodianik on yleensä hyvin spontaani muusikko. Ei pienintäkään leimaa, ei haalistunut hänen melko pitkän näyttämötoiminnan vuosien aikana. Siksi hänen taiteensa kiinnostavat kuulijoita.

Slobodyanikin seurassa on helppoa ja miellyttävää – tapaatpa hänet pukuhuoneessa esityksen jälkeen tai katsotko häntä lavalla, instrumentin koskettimien ääressä. Hänessä tuntuu intuitiivisesti jonkin verran sisäistä jaloutta; "kaunis luova luonto", he kirjoittivat Slobodyanikista yhdessä arvostelussa - ja hyvästä syystä. Näyttäisi siltä: onko mahdollista saada kiinni, tunnistaa, tuntea nämä ominaisuudet (hengellinen kauneus, jalo) ihmisessä, joka konserttipianon ääressä soittaa aiemmin opittua musiikkitekstiä? Osoittautuu, että se on mahdollista. Mitä tahansa Slobodyanik laittaa ohjelmiinsa, upeimpaan, voittavimpaan, maisemallisesti houkuttelevampaan asti, hänessä esiintyjänä ei voi havaita edes narsismin varjoa. Jopa niinä hetkinä, jolloin voit todella ihailla häntä: kun hän on parhaimmillaan ja kaikki mitä hän tekee, kuten sanotaan, tulee esiin ja tulee ulos. Hänen taiteestaan ​​ei löydy mitään pientä, omahyväistä, turhamaista. "Hänen onnellisilla lavadatallaan ei ole aavistustakaan taiteellisesta narsismista", Slobodyanikin läheiset ihailevat. Aivan oikein, ei pienintäkään vihjettä. Mistä tämä itse asiassa tulee: on jo useammin kuin kerran sanottu, että taiteilija aina "jatkaa" henkilöä, halusi hän sitä tai ei, tietää siitä tai ei tiedä.

Hänellä on eräänlainen leikkisä tyyli, hän näyttää asettaneen itselleen säännön: mitä tahansa tekee koskettimistolla, kaikki tapahtuu hitaasti. Slobodyanikin ohjelmistoon kuuluu useita loistavia virtuoositeoksia (Liszt, Rahmaninov, Prokofjev…); on vaikea muistaa, että hän kiirehti, "ajoi" ainakin yhtä heistä – kuten tapahtuu, ja usein pianobravuurilla. Ei ole sattumaa, että kriitikot moittivat häntä joskus hieman hitaasta tahdista, ei koskaan liian korkeasta. Tältä taiteilijan luultavasti pitäisi näyttää näyttämöllä, ajattelen välillä häntä katsellessa: ei menetä malttiaan, ei menettää malttiaan, ainakaan siinä, mikä liittyy puhtaasti ulkoiseen käyttäytymiseen. Ole kaikissa olosuhteissa rauhallinen, sisäisen arvokkaana. Edes kuumimmilla esiintymishetkillä – ei koskaan tiedä kuinka monta niistä on Slobodyanikin pitkään suosimassa romanttisessa musiikissa – älä lange ylennyksen, jännityksen, meteliin… Kuten kaikilla poikkeuksellisilla esiintyjillä, Slobodyanikilla on tyypillinen, ainoa ominaisuus. tyyli pelit; tarkin tapa olisi kenties nimetä tämä tyyli termillä Grave (hitaasti, majesteettisesti, merkittävästi). Slobodyanik soittaa tällä tavalla, soundiltaan hieman raskasta, kuvioituja reliefejä suurella ja kuperalla tavalla, että Slobodyanik soittaa Brahmsin f-molli-sonaatin, Beethovenin viidennen konserton, Tšaikovskin ensimmäisen, Mussorgskin kuvia näyttelyssä, Myaskovskyn sonaatteja. Nyt on soitettu vain hänen ohjelmistonsa parhaat numerot.

Kerran, vuonna 1966, kolmannen Tšaikovski-lehdistökilpailun aikana, hän puhui innostuneesti tulkinnastaan ​​Rahmaninovin d-molli-konsertosta: "Slobodianik soittaa todella venäjäksi." "Slaavilainen intonaatio" näkyy hänessä todella selvästi – hänen luonteessaan, ulkonäössä, taiteellisessa maailmankuvassa, pelissä. Hänen ei yleensä ole vaikeaa avautua, ilmaista itseään tyhjentävästi maanmiehilleen kuuluvissa teoksissa – varsinkin niissä, jotka ovat saaneet vaikutteita rajattoman leveyden ja avoimien tilojen kuvista… Kerran eräs Slobodyanikin työtovereista huomautti: ”On valoisia, myrskyisiä, räjähtäviä temperamentteja. Tässä temperamentti pikemminkin laajuudesta ja leveydestä. Havainto on oikea. Siksi Tšaikovskin ja Rahmaninovin teokset ovat niin hyviä pianistissa ja paljon edesmenneessä Prokofjevissa. Tästä syystä (huomattava seikka!) hän saa niin paljon huomiota ulkomailla. Ulkomaalaisille se on kiinnostava tyypillisenä venäläisenä ilmiönä musiikissa, mehukkaana ja värikkäänä kansallishahmona taiteessa. Hänelle taputettiin lämpimästi useammin kuin kerran Vanhan maailman maissa, ja monet hänen ulkomaankiertueistaan ​​olivat myös onnistuneita.

Kerran keskustelussa Slobodyanik käsitteli sitä tosiasiaa, että hänelle esiintyjänä suurmuotoiset teokset ovat parempia. – Monumentaalilajissa tunnen oloni jotenkin mukavammaksi. Ehkä rauhallisempi kuin miniatyyri. Ehkä tässä taiteellinen itsesäilyttäminen tuntee itsensä – on sellaista… Jos yhtäkkiä "kompastun" jonnekin, "menetän" jotain soittoprosessissa, niin teos – tarkoitan suurta teosta, joka on laajalle levinnyt ääniavaruus – silti se ei tuhoudu kokonaan. Vielä on aikaa pelastaa hänet, kuntoutua vahingossa tapahtuneen virheen vuoksi, tehdä jotain muuta hyvin. Jos tuhoat miniatyyrin yhdessä paikassa, tuhoat sen kokonaan.

Hän tietää, että hän voi milloin tahansa "menettää" jotain lavalla – tämä tapahtui hänelle useammin kuin kerran, jo nuorena. "Aiemmin minulla oli vielä pahempaa. Nyt vuosien varrella kertynyt lavaharjoittelu, oman bisneksen tuntemus auttaa... ”Ja tosiaan, kenen konsertin osallistujista ei ole tarvinnut eksyä pelin aikana, unohtaa, joutua kriittisiin tilanteisiin? Slobodyaniku, luultavasti useammin kuin monet hänen sukupolvensa muusikot. Niin tapahtui myös hänelle: ikään kuin hänen esitykseensä löytyi yllättäen jonkinlainen pilvi, josta tuli yhtäkkiä inertti, staattinen, sisäisesti demagnetoitunut… Ja nykyään, vaikka pianisti onkin parhaassa iässä, täynnä variaatiokokemusta. että eloisat ja kirkkaan värikkäät musiikin katkelmat vuorottelevat hänen iltansa tylsien, ilmaisuttomien kanssa. Ikään kuin hän menettäisi hetkeksi kiinnostuksensa tapahtuvaan ja joutuisi odottamattomaan ja selittämättömään transsiin. Ja sitten yhtäkkiä se leimahtaa jälleen, tarttuu, johtaa luottavaisesti yleisöä.

Slobodyanikin elämäkerrassa oli tällainen jakso. Hän soitti Moskovassa Regerin monimutkaisen ja harvoin esitettävän sävellyksen – muunnelmia ja fuugaa Bachin teemasta. Aluksi se tuli ulos pianisti ei ole kovin mielenkiintoinen. Oli selvää, että hän ei onnistunut. Turhautuneena epäonnistumiseen hän päätti illan toistamalla Regerin encore-muunnelmia. Ja toistettu (ilman liioittelua) ylellisesti – kirkas, inspiroiva, kuuma. Clavirabend näytti hajoavan kahteen osaan, jotka eivät ole kovin samanlaisia ​​- tämä oli koko Slobodyanik.

Onko siitä nyt haittaa? Voi olla. Kuka väittää: moderni taiteilija, ammattilainen sanan korkeassa merkityksessä, on velvollinen hallitsemaan inspiraatiotaan. Sille on voitava soittaa mielellään, ainakin vakaa luovuudessasi. Vain rehellisesti sanottuna jokainen konserttikävijä, jopa tunnetuinkin, on aina voinut tehdä tämän? Eivätkö kaikesta huolimatta olleet "epävakaat" taiteilijat, jotka eivät missään nimessä eronneet luovasta pysyvyydestään, kuten V. Sofronitski tai M. Poljakin, olleet ammattielämän koristeita ja ylpeyttä?

On mestareita (teatterissa, konserttisalissa), jotka osaavat toimia moitteettomasti säädettyjen automaattilaitteiden tarkkuudella – kunnia ja ylistys heille, arvokkaimman asenteen arvoinen laatu. On muitakin. Luovan hyvinvoinnin heilahtelut ovat heille luonnollisia, kuten chiaroscuron leikki kesäiltapäivänä, meren lasku ja virtaus, kuin elävälle organismille hengitys. Musiikillisen esityksen upea tuntija ja psykologi GG Neuhaus (hänellä oli jo sanottavaa näyttämön omaisuuden oikoista – sekä kirkkaista onnistumisista että epäonnistumisista) ei nähnyt esimerkiksi mitään moitittavaa siinä, että tietty konserttiesiintyjä ei pysty "tuottaa vakiotuotteita tehdastarkkuudella – niiden julkiset esiintymiset" (Neigauz GG Heijastuksia, muistoja, päiväkirjoja. S. 177.).

Yllä luetellaan kirjailijat, joihin suurin osa Slobodyanikin tulkinnallisista saavutuksista liittyy – Tšaikovski, Rahmaninov, Prokofjev, Beethoven, Brahms… Voit täydentää tätä sarjaa sellaisten säveltäjien nimillä kuin Liszt (Slobodyanikin ohjelmistossa B-molli Sonaatti, Kuudes rapsodia, Campanella, Mephisto-valssi ja muut Lisztin kappaleet), Schubert (B-duuri sonaatti), Schumann (karnevaali, sinfoniset etydit), Ravel (konsertto vasemmalle), Bartok (pianosonaatti, 1926), Stravinsky ("persilja"). ”).

Slobodianik on Chopinissa vähemmän vakuuttava, vaikka hän rakastaakin suuresti tätä kirjailijaa, viittaa usein hänen työhönsä – pianistin julisteissa on Chopinin preludeja, etydejä, scherzoja, balladeja. Yleensä 1988-luku ohittaa ne. Scarlatti, Haydn, Mozart – nämä nimet ovat melko harvinaisia ​​hänen konserttiensa ohjelmissa. (Totta, XNUMX-kaudella Slobodyanik soitti julkisesti Mozartin konserttoa B-duurissa, jonka hän oli oppinut vähän ennen. Mutta tämä ei yleisesti ottaen merkinnyt perustavaa laatua olevia muutoksia hänen ohjelmistostrategiassaan, ei tehnyt hänestä "klassista" pianistia ). Luultavasti tässä on kyse joissakin psykologisissa piirteissä ja ominaisuuksissa, jotka alun perin kuuluivat hänen taiteelliseen luonteeseensa. Mutta joissakin hänen "pianistisen koneistonsa" ominaispiirteissä - myös.

Hänellä on vahvat kädet, jotka voivat murskata minkä tahansa esiintymisvaikeuden: itsevarma ja vahva sointutekniikka, upeat oktaavit ja niin edelleen. Toisin sanoen virtuoosi lähikuva. Slobodyanikin niin sanottu "pieni varuste" näyttää vaatimattomammalta. Välillä häneltä tuntuu puuttuvan piirustuksen läpimurtohienoa, keveyttä ja suloisuutta, kalligrafista jahtaamista yksityiskohtiin. On mahdollista, että luonto on osittain syyllinen tähän – Slobodyanikin käsien rakenne, pianistinen "rakenne". On kuitenkin mahdollista, että hän itse on syyllinen. Tai pikemminkin sitä, mitä GG Neuhaus kutsui aikanaan erilaisten kasvatuksellisten "velvollisuuksien" täyttämättä jättämiseksi: joitain puutteita ja puutteita nuoruuden ajoilta. Se ei ole koskaan mennyt ilman seurauksia kenellekään.

Slobodyanik on nähnyt paljon lavalla ollessaan. Monien ongelmien edessä, ajatellut niitä. Hän on huolissaan siitä, että suuren yleisön keskuudessa kiinnostus konserttielämää kohtaan on hänen mielestään jonkin verran laskenut. ”Minusta näyttää siltä, ​​että kuulijamme kokevat filharmonia-iltojen pettymyksen. Älä kaikki kuuntelijat, mutta joka tapauksessa huomattava osa. Tai ehkä vain konserttigenre itsessään on "väsynyt"? En myöskään sulje sitä pois."

Hän ei lakkaa ajattelemasta, mikä voi houkutella yleisöä Filharmoniaan tänään. Korkealuokkainen esiintyjä? Epäilemättä. Mutta on muitakin olosuhteita, Slobodyanik uskoo, jotka eivät häiritse ottamista. Esimerkiksi. Dynaamisena aikanamme pitkiä, pitkäaikaisia ​​ohjelmia havaitaan vaikeasti. Olipa kerran, 50-60 vuotta sitten, konserttitaiteilijat pitivät iltoja kolmessa osassa; nyt se näyttäisi anakronismalta – luultavasti kuuntelijat yksinkertaisesti lähtisivät kolmannesta osasta… Slobodyanik on vakuuttunut, että konserttiohjelmien pitäisi nykyään olla tiiviimpiä. Ei pituuksia! XNUMX-luvun jälkipuoliskolla hänellä oli clavirabendeja ilman taukoja, yhdessä osassa. – Nykyyleisölle musiikin kuuntelu kymmenestä tuntiin ja viisitoista minuuttia on enemmän kuin tarpeeksi. Väliaikaa ei mielestäni aina tarvita. Joskus se vain vaimentaa, häiritsee…”

Hän pohtii myös joitain muita tämän ongelman puolia. Se, että on ilmeisesti tullut aika tehdä joitain muutoksia konserttiesitysten muotoon, rakenteeseen ja organisaatioon. Aleksanteri Aleksandrovitšin mukaan on erittäin hedelmällistä tuoda kamariyhtye-numeroita perinteisiin soolo-ohjelmiin – komponentteina. Esimerkiksi pianistien tulisi yhdistyä viulistien, sellien, vokalistien jne. kanssa. Tämä periaatteessa elävöittää filharmonisia iltoja, tekee niistä muodoltaan kontrastiisempia, sisällöltään monipuolisempia ja siten kuuntelijoille houkuttelevia. Ehkä juuri siksi yhtyemusiikki on houkutellut häntä viime vuosina yhä enemmän. (Ilmiö, muuten, yleisesti tyypillinen monille esiintyjille luovan kypsyyden aikana.) Vuosina 1984 ja 1988 hän esiintyi usein yhdessä Liana Isakadzen kanssa; he esittivät Beethovenin, Ravelin, Stravinskyn, Schnittken teoksia viululle ja pianolle…

Jokaisella taiteilijalla on esityksiä, jotka ovat enemmän tai vähemmän tavallisia, kuten sanotaan, ohimeneviä, ja siellä on konsertteja-tapahtumia, joiden muisto säilyy pitkään. Jos puhutaan niin Slobodyanikin esityksiä 1986-luvun jälkipuoliskolla ei voi olla mainitsematta hänen yhteisesityksestään Mendelssohnin konserto viululle, pianolle ja jousiorkesterille (1985, säestää Neuvostoliiton valtion kamariorkesteri), Chaussonin konsertto viululle, pianolle ja jousisoitolle. Kvartetti (1986) V. Tretjakovin vuonna, yhdessä V. Tretjakovin ja Borodin-kvartetin kanssa, Schnittken pianokonsertto (1988 ja XNUMX, säestää Valtion kamariorkesteri).

Ja haluaisin mainita vielä yhden puolen hänen toiminnastaan. Vuosien varrella hän soittaa yhä enemmän ja auliisti musiikkioppilaitoksissa – musiikkikouluissa, musiikkikouluissa, konservatorioissa. "Siellä ainakin tiedät, että sinua kuunnellaan todella tarkkaavaisesti, kiinnostuneena, asiantuntevasti. Ja he ymmärtävät, mitä sinä esiintyjänä halusit sanoa. Tämä on mielestäni taiteilijalle tärkeintä: tulla ymmärretyksi. Muutamia kriittisiä huomautuksia tulee myöhemmin. Vaikka et pidä jostain. Mutta kaikki, mikä tulee ulos onnistuneesti, että onnistut, ei myöskään jää huomaamatta.

Pahinta konserttimuusikolle on välinpitämättömyys. Ja erityisissä oppilaitoksissa ei yleensä ole välinpitämättömiä ja välinpitämättömiä ihmisiä.

Musiikkikouluissa ja musiikkikouluissa soittaminen on mielestäni vaikeampaa ja vastuullisempaa kuin monissa filharmonioissa. Ja henkilökohtaisesti pidän siitä. Lisäksi taiteilijaa arvostetaan täällä, he kohtelevat häntä kunnioittavasti, he eivät pakota häntä kokemaan niitä nöyryyttäviä hetkiä, jotka joskus kuuluvat hänen osakseen suhteissa filharmonisen seuran hallintoon.

Kuten jokainen taiteilija, Slobodyanik sai vuosien varrella jotain, mutta menetti samalla jotain muuta. Kuitenkin hänen onnellinen kykynsä "syttyä itsestään" esitysten aikana säilyi edelleen. Muistan kerran, kun keskustelimme hänen kanssaan eri aiheista; keskustelimme hämäristä hetkistä ja vierailevan esiintyjän elämän käänteistä; Kysyin häneltä: onko periaatteessa mahdollista soittaa hyvin, jos kaikki taiteilijan ympärillä pakottaa hänet soittamaan, huonosti: sekä sali (jos voit kutsua saleiksi niitä tiloja, jotka ovat ehdottomasti sopimattomia konsertteihin, joissa joskus on esiintymään), ja yleisö (jos satunnaiset ja erittäin harvat kokoontumiset voidaan ottaa oikealle filharmoniselle yleisölle), ja rikkinäinen soitin jne. jne. "Tiedätkö", vastasi Aleksandr Aleksandrovitš, "jopa näissä niin sanotusti "epähygieeniset olosuhteet" pelaavat melko hyvin. Kyllä, kyllä, voit, luota minuun. Mutta - jos vain voi nauttia musiikista. Älä anna tämän intohimon tulla heti, anna 20-30 minuuttia sopeutua tilanteeseen. Mutta sitten, kun musiikki todella vangitsee sinut, milloin kytkeytyä päälle, – kaikki ympärillä muuttuu välinpitämättömäksi, merkityksettömäksi. Ja sitten voit pelata erittäin hyvin…”

No, tämä on todellisen taiteilijan omaisuutta – uppoutua musiikkiin niin paljon, ettei hän enää huomaa kaikkea ympärillään. Ja Slobodianik, kuten he sanoivat, ei menettänyt tätä kykyä.

Varmasti häntä odottaa jatkossa uudet ilot ja kohtaamisen ilot yleisön kanssa – luvassa aplodeja ja muita hänelle tuttuja menestymisen ominaisuuksia. On vain epätodennäköistä, että tämä on hänelle tärkeintä tänään. Marina Tsvetaeva ilmaisi kerran erittäin oikean ajatuksen, että kun taiteilija astuu luovan elämänsä toiselle puoliskolle, siitä tulee hänelle jo tärkeä ei menestystä, vaan aikaa...

G. Tsypin, 1990