Oppiaihe 4

Yksi monimutkaisimmista musiikin teorian käsitteistä on musiikillinen polyfonia. Tämä on kuitenkin myös yksi tärkeimmistä kategorioista, jota ilman on mahdotonta ymmärtää orkesterimusiikkia tai laulaa monimutkaisen melodian kaunista duettoa täysimittaisella musiikillisella säestyksellä tai jopa äänittää ja miksata yksinkertaista kappaletta, jossa , äänen lisäksi kitara, basso ja rummut.

Aloitetaan siis.

Toimintasuunnitelma on selvä, joten ryhdytään töihin!

Polyfonian käsite

Termi "polyfonia" johdettu latinalaisesta polyphoniasta, jossa poly tarkoittaa "monia" ja phonia kääntää "ääntä". Polyfonia tarkoittaa periaatetta, jossa ääniä (ääniä ja melodioita) lisätään toiminnallisen tasa-arvon perusteella.

Tämä on ns. polyfonia, eli kahden tai useamman melodian ja/tai äänen samanaikainen soitto. Polyfonia tarkoittaa useiden itsenäisten äänien ja/tai melodioiden harmonista yhdistämistä yhdeksi musiikkikappaleeksi.

Lisäksi samannimistä tieteenalaa ”Polyfonia” opetetaan musiikin oppilaitoksissa säveltäjätaiteen ja musiikkitieteen tiedekunnissa ja laitoksissa.

Venäjän kielen vierastermi polyphonia ei ole kokenut merkittäviä muutoksia, paitsi kyrillisellä kirjoittamisella latinan sijaan. Ja näyttää siltä, ​​​​että se noudattaa sääntöä "kuten kuullaan, niin on kirjoitettu". Vivahteena on, että jokainen kuulee tämän termin eri tavalla ja myös painotukset asettuvat eri tavalla.

Joten Imperiumin tiedeakatemian vuonna 1847 julkaisemassa "Kirkoslaavilaisen ja venäjän kielen sanakirjassa" on määrätty korostaa toista "o" sanassa "polyfonia" ja toista "ja" sanassa. "polyfoninen" [Sanakirja, V.3, 1847]. Tältä se näyttää sivu tässä painoksessa:

20-luvun puolivälistä ja tähän päivään asti venäjän kielessä on esiintynyt rauhanomaisesti kaksi stressin muunnelmaa: viimeisessä "o" ja toisessa kirjaimessa "i". Joten "Suuressa Neuvostoliiton tietosanakirjassa" ehdotetaan painottavan viimeistä "o" [V. Fraenov, 2004]. Tässä kuvakaappaus TSB:n sivusta:

Kielitieteilijä Sergei Kuznetsovin toimittamassa selittävässä sanakirjassa sanassa "polyfonia" toinen kirjain "i" on alipainotettu [S. Kuznetsov, 2000]. Sanassa "polyfoninen" painotetaan kirjainta "ja", kuten aikaisemmissa painoksissa:

Huomaa, että Google-kääntäjä tukee jälkimmäistä vaihtoehtoa, ja jos kirjoitat sanan "polyfonia" käännössarakkeeseen ja napsautat kaiutinkuvaketta, kuulet selvästi aksentin viimeisen kirjaimen "ja" kohdalla. kaiuttimen kuvake ympyröity punaisella kuvassa:

Nyt kun olemme ymmärtäneet yleisesti, mitä polyfonia on ja kuinka tämä sana lausutaan oikein, voimme syventyä aiheeseen.

Polyfonian alkuperä ja kehitys

Polyfonia on melko monimutkainen ilmiö musiikissa, ja sillä on omat ominaisuutensa eri kulttuureissa. Joten idän maissa polyfonialla oli alun perin pääasiassa instrumentaalinen perusta. Toisin sanoen monikieliset soittimet, jousiyhtyeet, laulun jousisäestys olivat siellä yleisiä. Länsimaissa polyfonia oli useammin vokaalia. Se oli kuorolaulua, mukaan lukien acapella (ilman säestystä).

Alkuvaiheen polyfonian kehittymistä kutsutaan yleensä termiksi "heterofonia" eli dissonanssi. Niinpä 7. vuosisadalla otettiin käyttöön käytäntö lisätä yksi, kaksi tai useampia ääntä koraalin äänen päälle, eli liturginen laulu.

Keskiajan ja renessanssin aikakaudella motetti yleistyi – moniääninen laulu. Se ei ollut koraali plus äänien ylärakenne puhtaimmassa muodossaan. Tämä oli jo monimutkaisempi lauluteos, vaikka koraalin elementit ovat siinä hyvin havaittavissa. Yleisesti ottaen motettista on muodostunut sekamuotoinen musiikkimuoto, joka on omaksunut kirkon ja maallisen laulun perinteet.

Kirkkolaulu eteni myös teknisesti. Joten keskiajalla niin sanottu katolinen messu tuli laajalle levinneeksi. Se perustui soolo- ja kuoroosien vuorotteluun. Yleisesti ottaen 15-16-luvun messut ja motetit käyttivät melko aktiivisesti koko polyfonian arsenaalia. Tunnelmaa luotiin lisäämällä ja vähentämällä äänen tiheyttä, erilaisia ​​korkean ja matalan äänen yhdistelmiä, yksittäisten äänien tai ääniryhmien asteittaista sisällyttämistä.

Myös yksinomaan maallinen lauluperinne kehittyi. Joten 16-luvulla sellainen kappalemuoto kuin mandrigal on saamassa suosiota. Tämä on kaksi- tai kolmiääninen teos, jonka sisältö on yleensä rakkauslyyrinen. Tämän laulukulttuurin alku ilmestyi jo 14-luvulla, mutta tuolloin ne eivät saaneet paljon kehitystä. 16-17-luvun madrigaaleille on ominaista rytmien kirjo, äänen johtamisen vapaus, modulaation käyttö (siirtyminen toiseen sävellajiin teoksen lopussa).

Termi "richecar" tulee ranskan sanasta rechercher, joka tarkoittaa "hakua" (muistatko kuuluisan Cherchez la femmen?), ja musiikin suhteen sitä voidaan tulkita eri tavoin. Aluksi termi tarkoitti intonaation etsimistä, myöhemmin motiivien etsintää ja kehittämistä. Richecarin tunnetuimmat muodot ovat kappale klavierille, kappale instrumentaali- tai laulu-instrumentaaliyhtyeelle.

Vanhin richecar löytyi vuonna 1540 Venetsiassa julkaistusta näytelmäkokoelmasta. Toiset 4 kappaletta klavierille löytyivät säveltäjä Girolamo Cavazzonin teoskokoelmasta, joka julkaistiin vuonna 1543. Tunnetuin on 6-ääninen richecar Bachin musiikkitarjouksesta, jonka suuri nero on kirjoittanut jo 18-luvulla.

On huomattava, että laulupolyfonian tyylit ja melodia olivat jo noina vuosina läheisesti yhteydessä tekstiin. Joten lyyrisille teksteille laulut ovat ominaisia ​​ja lyhyille lauseille - lausunta. Periaatteessa polyfonisten perinteiden kehittyminen voidaan supistaa kahteen polyfoniseen suuntaukseen.

Keskiajan polyfoniset suuntaukset:

Opit nauhat edellisellä oppitunnilla, joten nyt ymmärrät, mistä on kyse. Tämä on yleisin tieto polyfonian perinteiden kehittymisestä. Lisätietoa polyfonian muodostumisen historiasta eri kulttuureissa ja moniäänisyyden suuntauksista löytyy kurssin "Polyfonia" erityisopetuskirjallisuudesta [T. Muller, 1989]. Sieltä löydät myös nuotteja keskiaikaisiin musiikkikappaleisiin ja, jos olet kiinnostunut, voit oppia muutaman laulu- ja instrumentaaliosuuden. Muuten, jos et vielä osaa laulaa, mutta haluaisit oppia, voit ottaa ensimmäiset askeleet kohti laulun hallintaa opiskelemalla kurssiamme ”Äänen ja puheen kehittäminen”.

Nyt on aika siirtyä polyfonian tekniikoihin ymmärtääksemme selkeämmin, kuinka polyfonia muodostuu yhdeksi melodiaksi.

Polyfoniset tekniikat

Mistä tahansa polyfonian koulutuskurssista löydät sellaisen termin kuin kontrapunkti. Se tulee latinalaisesta lauseesta punctum contra punctum, joka tarkoittaa "piste pistettä vastaan". Tai musiikin suhteen "sävel nuottia vastaan", "melodia melodiaa vastaan".

Tämä ei muuta sitä tosiasiaa, että termillä "vastapiste" on useita eri merkityksiä. Ja nyt tarkastellaan muutamia polyfonian perustekniikoita.

jäljitelmä

Jäljitelmä on, kun toinen (matkiva) ääni liittyy jonkin ajan kuluttua alkuperäiseen monofoniseen ääneen, joka toistaa aiemmin soitetun kohdan samalla tai eri nuotilla. Kaavamaisesti näyttää seuraavalla tavalla:

Selvennetään, että kaaviossa käytetty termi "vastakohta" on ääni, joka säestää toista ääntä polyfonisessa melodiassa. Harmoninen konsonanssi saavutetaan eri tekniikoilla: lisärytmi, melodisen kuvion muutos jne.

Kanoninen jäljitelmä

Kanoninen, se on myös jatkuvaa jäljitelmää – monimutkaisempaa tekniikkaa, jossa ei vain toisteta aiemmin soitettua kohtaa, vaan myös vastalisäystä. Näin on näyttää kaaviolta:

Termi "linkit", jonka näet kaaviossa, viittaa vain kanonisen jäljitelmän toistuviin osiin. Yllä olevassa kuvassa näemme 3 alkuäänen elementtiä, jotka toistetaan jäljittelevällä äänellä. Linkkejä on siis 3 kappaletta.

Lopullinen ja ääretön kaanoni

Äärillinen kaanoni ja ääretön kaanoni ovat kanonisen jäljitelmän muotoja. Äärettömään kaanoniin liittyy alkuperäisen materiaalin paluu jossain vaiheessa. Lopullinen kaanon ei sisällä tällaisia ​​palautuksia. Yllä oleva kuva esittää muunnelman lopullisesta kaanonista. Ja nyt katsotaan miltä ääretön kaanoni näyttääja ymmärrä ero:

Selvennetään, että 1. luokan ääretön kaanoni tarkoittaa jäljitelmää, jossa on 2 linkkiä, ja 2. luokan ääretön kaanoni on jäljitelmä, jonka linkkien lukumäärä on 3 tai enemmän.

Yksinkertainen sekvenssi

Yksinkertainen sekvenssi on polyfonisen elementin liike eri sävelkorkeudelle, kun taas elementin komponenttien välinen suhde (väli) ei muutu:

Joten kaaviossa kirjain "A" tarkoittaa perinteisesti alkuääntä, kirjain "B" tarkoittaa jäljittelevää ääntä ja numerot 1 ja 2 tarkoittavat polyfonisen elementin ensimmäistä ja toista siirtymää.

Monimutkainen vastapiste

Monimutkainen kontrapunkti on moniääninen tekniikka, joka yhdistää monia polyfonisia tekniikoita, joiden avulla voit luoda uusia melodioita alkuperäisestä polyfoniosta joko muuttamalla äänisuhdetta tai tekemällä muutoksia melodioihin, jotka muodostavat alkuperäisen polyfonian.

Monimutkaisten vastapisteiden lajikkeet:

Melodisten äänien permutaatiosuunnasta riippuen erotetaan pysty-, vaaka- ja kaksinkertaiset (samanaikaisesti pysty- ja vaakasuuntaiset) liikkuvat kontrapisteet.

Itse asiassa vaikeaa kontrapunktia kutsutaan vain "monimutkaiseksi". Jos käsittelet seuraavan korvaharjoitustunnin materiaalin hyvin, tunnistat tämän moniäänisen tekniikan helposti korvasta.

Nämä ovat vain muutamia yksinkertaisimpia polyfonisia tekniikoita aloittelevan muusikon ymmärtämiseksi. Näistä ja muista polyfonisista tekniikoista voit oppia lisää musiikkitieteilijän, Venäjän säveltäjäliiton jäsenen, Petrovskin tiede- ja taideakatemian kirjeenvaihtajajäsenen Valentina Osipovan oppikirjasta ”Polyfonia. Polyfoniset tekniikat” [V. Osipova, 2006].

Kun olemme tutkineet joitain polyfonian tekniikoita, meidän on helpompi ymmärtää polyfonian tyyppien luokittelu.

Polyfonian tyypit

Polyfoniaa on neljä päätyyppiä. Jokainen tyypeistä perustuu pääasiassa tietyntyyppisiin polyfonisiin tekniikoihin. Useimmissa tapauksissa polyfoniatyyppien nimet puhuvat puolestaan.

Mitkä ovat polyfonian tyypit?

Voit lukea lisää kustakin polyfoniatyypistä kirjasta "Polyfonia. Polyfoniset tekniikat” [V. Osipova, 2006], joten jätämme sen harkintasi mukaan. Olemme päässeet lähelle jokaiselle muusikolle ja säveltäjälle niin tärkeää aihetta kuin musiikin miksaus.

Musiikin miksauksen perusteet

"Polyfonian" käsite liittyy suoraan musiikin sekoittamiseen ja valmiin ääniraidan saamiseen. Aiemmin opimme, että polyfonia tarkoittaa periaatetta, jossa ääniä (ääniä ja melodioita) lisätään toiminnallisen tasa-arvon perusteella. Tämä on ns. polyfonia, eli kahden tai useamman melodian ja/tai äänen samanaikainen soitto. Polyfonia tarkoittaa useiden itsenäisten äänien ja/tai melodioiden harmonista yhdistämistä yhdeksi musiikkikappaleeksi.

Tarkkaan ottaen musiikin miksaus on samaa polyfoniaa, vain tietokoneella, ei musikaalissa. Miksaus sisältää myös vähintään kahden musiikkilinjan – laulun ja ”taustakappaleen” tai soittimen säestyksen – vuorovaikutuksen. Jos instrumentteja on monia, miksaus muuttuu monien melodisten linjojen vuorovaikutuksen organisoinniksi, joista jokainen voi olla jatkuvaa koko teoksen ajan tai esiintyä ja kadota ajoittain.

Jos palaat hieman taaksepäin ja katsot uudelleen polyfonisten tekniikoiden kaavamaista esitystä, näet paljon yhteistä useimpien äänen kanssa toimivien tietokoneohjelmien käyttöliittymän kanssa. Kuten useimmat polyfoniset tekniikat on kuvattu "yksi ääni – yksi raita" -mallin mukaisesti, äänenkäsittelyohjelmissa on erillinen raita jokaiselle melodiselle riville. Tältä saattaa näyttää yksinkertaisin versio kahden kappaleen sekoittamisesta SoundForgessa:

Vastaavasti, jos haluat sekoittaa esimerkiksi ääntä, sähkökitaraa, bassokitaraa, syntetisaattoria ja rumpuja, kappaleita on 5. Ja jos sinun on tehtävä studioorkesteriäänitys, kappaleita on jo useita kymmeniä, yksi jokaiselle instrumentille.

Musiikin miksausprosessi ei ole vain nuottien noudattamista ja musiikkilinjojen alun ja lopun tarkkaa sijaintia suhteessa toisiinsa. Vaikka tämä ei ole helppoa, jos tallenteessa on paljon kuudestoista, kolmenkymmenen toisen ja kuudennenkymmenenneljännen nuottia, joihin on vaikeampi osua kuin kokonaislukuihin.

Tietenkin äänentuottajan on kuultava ja neutraloitava vieraita ääniä, joita voi esiintyä hyvässä studiossakin äänitettäessä, puhumattakaan kotona tai päinvastoin konserttien aikana tehdyistä äänityksistä. Tosin live-tallennus voi olla myös erittäin laadukas.

Esimerkkinä brittiläisen rock-yhtye Musen live-albumi HAARP. Nauhoitus on tehty Wembley Stadiumilla. Sitten 1 päivän erolla ryhmän 2 konserttia pidettiin: 16. ja 17. kesäkuuta. Mielenkiintoista on, että CD:llä olevalle ääniversiolle he ottivat 16. kesäkuuta tallenteen ja DVD:n videoversioon he käyttivät konsertin tallenne, pidettiin 17. kesäkuuta 2007:

Joka tapauksessa äänisuunnittelijan tai äänituottajan on työskenneltävä lujasti, jotta hyvin nauhoitettukin monimutkainen polyfonia muuttuisi täysivaltaiseksi valmiiksi teokseksi. Tämä on todella luova prosessi, jossa sinun on otettava huomioon monia vivahteita. Mutta kuten olemme useaan otteeseen nähneet, musiikkia kuvataan varsin erityisillä laskettavissa olevilla kategorioilla – hertsit, desibelit jne. Ja myös kappaleen laadukkaalle miksaukselle on kriteerit, joissa käytetään sekä objektiivisia teknisiä että subjektiivisia taiteellisia käsitteitä.

Äänenlaadun kriteerit

Nämä kriteerit on kehittänyt Kansainvälinen televisio- ja radiolähetysjärjestö OIRT, joka oli olemassa 20-luvun toisella puoliskolla, ja ne tunnetaan OIRT-protokollana ja pöytäkirjan määräykset käyttävät edelleen monia rakenteita. äänitallenteiden laadun arvioimiseksi. Tarkastellaanpa lyhyesti, mitkä kriteerit korkealaatuisen tallenteen tulee täyttää tämän pöytäkirjan mukaan.

Yleiskatsaus OIRT-pöytäkirjan määräyksiin:

Pöytäkirjan kriteerien noudattaminen arvioidaan 5 pisteen asteikolla. OIRT-protokollaa noudatetaan tiiviimmin klassisen, kansanmusiikin ja jazzmusiikin arvioinnissa. Elektronisen, pop- ja rockmusiikin osalta ei ole olemassa yhtä protokollaa äänenlaadun arvioimiseksi, ja OIRT-protokollan määräykset ovat luonteeltaan neuvoa-antavampia. Tavalla tai toisella korkealaatuisen tallennuksen tekeminen edellyttää tiettyjä teknisiä ehtoja. Puhutaanpa niistä tarkemmin.

Tekninen tuki

Edellä on jo alettu puhua siitä, että laadukkaan lopputuloksen kannalta laadukas lähdemateriaali on tärkeää. Joten jazzin, klassisen ja kansanmusiikin korkealaatuiseen tallentamiseen käytetään usein äänitystä stereomikrofoniparille, mikä ei myöhemmin vaadi sekoittamista. Oikeastaan ​​​​miksaukseen käytetään analogisia, digitaalisia tai virtuaalisia mikserikonsoleita (ne ovat myös sekoittimia). Sekvenssereitä käytetään raitojen virtuaaliseen sekoittamiseen.

Tietokoneen tekniset vaatimukset määräävät yleensä äänen kanssa työskentelyyn tarkoitettujen tietokoneohjelmien valmistajat. Siksi voit tarkistaa laitteesi vaatimustenmukaisuuden, kun päätät ohjelmiston valinnasta. Tähän mennessä on olemassa useita suosittuja ohjelmia äänenkäsittelyyn ja äänen miksaukseen.

Sound forge

Ensinnäkin se on jo mainittu edellä Sound forge. Se on kätevä, koska siinä on joukko perus äänenkäsittelytoimintoja, ja löydät ilmaisen venäjänkielisen version [MoiProgrammy.net, 2020]:

Jos sinun on ymmärrettävä englanninkielinen versio, siinä on yksityiskohtainen kuvaus [B. Kairov, 2018].

Rohkeus

Toiseksi, toinen kätevä ja mutkaton venäjänkielinen ohjelma Rohkeus [Audacity, 2020]:

Ilmaisen version lisäksi löydät siihen erittäin järkevän ohjekirjan [Audacity 2.2.2, 2018].

Dehumanisoija 2

Kolmanneksi tietokonepelien ja äärilaulujen kehittäjät rakastavat sitä. Dehumanisoija 2. Käyttöliittymä on englanninkielinen ja huomattavasti monimutkaisempi, mutta voit selvittää sen:

Eikä se ole vain miksausta, vaan myös mahdollisuuksia äänisuunnitteluun [Krotos, 2020].

Cubase Elements

Neljänneksi kannattaa kiinnittää huomiota ohjelmaan Cubase Elements [Cubase Elements, 2020]. Siellä on vakiotoimintosarjan lisäksi myös sointupaneeli, jonka avulla voit luoda kappaleen "tyhjästä" tai "tuoda mieleen" aiemmin tehdyn tallenteen käyttämällä aiemmin opittuja polyfonisia tekniikoita käytännössä:

Ennen kuin aloitat, tutustu yleiskuvaukseen ohjelman toiminnoista [A. Olenchikov, 2017].

Effectrix

Ja lopuksi tämä on efektisekvenssi Effectrix. Sen kanssa työskentelyyn tarvitaan jonkin verran kokemusta, mutta tämä ohjelma kannattaa huomioida nyt, sillä säännöllisellä harjoittelulla kokemusta tulee hyvin pian [Sugar Bytes, 2020]:

Voit oppia lisää artikkelista ”Ohjelmat musiikin ja äänen miksaamiseen”, jossa tarkastellaan tusinaa ohjelmaa, mukaan lukien ammattimuusikoille ja DJ:ille [V. Kairov, 2020]. Ja nyt puhutaan valmistautumisesta kappaleen miksaukseen.

Sekoituksen valmistelu ja sekoitusprosessi

Mitä paremmin olet valmistautunut, sitä nopeampi ja parempi sekoitus tulee. Kyse ei ole vain teknisestä tuesta, mukavasta työpaikasta ja laadukkaasta valaistuksesta. On tärkeää ottaa huomioon useita organisatorisia kysymyksiä sekä aivopuoliskon työn piirteitä. Yleisesti ottaen huomioi…

Kuinka valmistautua sekoitusprosessiin:

Aloita sekoitus rummuilla, koska ne vievät merkittävän osan taajuusalueesta matalista (bassorumpu) korkeisiin taajuuksiin (symbaalit). Vasta sen jälkeen siirry muihin soittimiin ja lauluun. Kun olet sekoittanut pääinstrumentit, lisää tarvittaessa erikoistehosteita (kaiku, särö, modulaatio, pakkaus jne.).

Seuraavaksi sinun on muodostettava stereokuva, eli järjestettävä kaikki stereokentän äänet. Säädä sen jälkeen järjestelyä tarvittaessa ja aloita työskentely äänen syvyyden parissa. Tätä varten lisää viiveitä ja kaikua ääniin, mutta ei liikaa, muuten se "painaa kuuntelijoiden korvia".

Kun olet valmis, tarkista äänenvoimakkuus, taajuuskorjain ja tehosteet uudelleen ja säädä tarvittaessa. Testaa valmis kappaletta studiossa ja sitten eri laitteilla: suorita äänitiedosto älypuhelimella, tabletilla, kuuntele sitä autossasi. Jos kaikkialla ääni havaitaan normaalisti, kaikki tehdään oikein!

Jos kohtaat paljon tuntemattomia sanoja, lue kirja "Computer Sound Processing" [A. Zagumennov, 2011]. Älä hämmenny siitä tosiasiasta, että paljon ajatellaan tietokoneohjelmien vanhojen versioiden esimerkissä. Fysiikan lait eivät ole muuttuneet sen jälkeen. Niille, jotka ovat jo kokeilleet työskentelyä äänimiksausohjelmien parissa, kannattaa lukea "Virheet miksattaessa musiikkia", joka antaa samalla suosituksia niiden välttämiseksi [I. Evsyukov, 2018].

Jos sinun on helpompi havaita elävä selitys, voit nähdä koulutus video tässä aiheessa:

Sekoitusprosessin aikana on suositeltavaa pitää lyhyitä taukoja 45 minuutin välein. Tämä ei ole hyödyllistä vain terveydelle, vaan myös kuuloaistin objektiivisuuden palauttamiseksi. Musiikkikorva on erittäin tärkeä laadukkaan miksauksen kannalta. Koko seuraava oppituntimme on omistettu musiikin korvan kehittämiseen, mutta toistaiseksi tarjoamme sinulle kokeen tämän oppitunnin materiaalin hallitsemiseksi.

Oppitunnin ymmärtämiskoe

Jos haluat testata tietosi tämän oppitunnin aiheesta, voit suorittaa lyhyen testin, joka koostuu useista kysymyksistä. Vain yksi vaihtoehto voi olla oikea kussakin kysymyksessä. Kun olet valinnut yhden vaihtoehdoista, järjestelmä siirtyy automaattisesti seuraavaan kysymykseen. Saamiisi pisteisiin vaikuttavat vastaustesi oikeellisuus ja läpäisemiseen käytetty aika. Huomaa, että kysymykset ovat joka kerta erilaisia ​​ja vaihtoehdot sekoitetaan.

Ja nyt siirrymme musiikillisen korvan kehittämiseen.