Mihail Vasilievich Pletnev |

Mihail Pletnev

Mihail Vasilyevich Pletnev herättää sekä asiantuntijoiden että suuren yleisön huomion. Hän on todella suosittu; Ei liene liioiteltua sanoa, että hän erottuu tässä suhteessa jonkin verran viime vuosien kansainvälisten kilpailujen voittajajonosta. Pianistin esitykset ovat lähes aina loppuunmyytyjä, eikä mikään viittaa siihen, että tilanne voisi muuttua.

Pletnev on monimutkainen, poikkeuksellinen taiteilija, jolla on omat ominaiset, mieleenpainuvat kasvonsa. Voit ihailla häntä tai ei, julistaa hänet modernin pianistisen taiteen johtajaksi tai täysin, "sinisilmäisesti", hylätä kaikki, mitä hän tekee (se tapahtuu), joka tapauksessa hänen tutustuminen ei jätä ihmisiä välinpitämättömäksi. Ja sillä on loppujen lopuksi väliä.

… Hän syntyi 14. huhtikuuta 1957 Arkangelissa muusikoiden perheeseen. Myöhemmin hän muutti vanhempiensa kanssa Kazaniin. Hänen äitinsä, koulutukseltaan pianisti, työskenteli aikoinaan säestäjänä ja opettajana. Isäni oli harmonikkasoitin, opetti eri oppilaitoksissa ja toimi useiden vuosien ajan apulaisprofessorina Kazanin konservatoriossa.

Misha Pletnev löysi kykynsä musiikkiin varhain – kolmivuotiaasta lähtien hän tarttui pianoon. Kira Alexandrovna Shashkina, Kazanin erityismusiikkikoulun opettaja, alkoi opettaa häntä. Nykyään hän muistaa Shashkinaa vain ystävällisillä sanoilla: "Hyvä muusikko... Lisäksi Kira Aleksandrovna rohkaisi yrityksiäni säveltää musiikkia, ja voin vain kiittää häntä tästä."

13-vuotiaana Misha Pletnev muutti Moskovaan, missä hänestä tuli Central Music Schoolin opiskelija EM Timakinin luokassa. Huomattava opettaja, joka avasi tien lavalle monille myöhemmin kuuluisille konserttikävijöille, EM Timakin auttoi Pletneviä monin tavoin. "Kyllä, kyllä, erittäin paljon. Ja melkein ensiksi – moottoriteknisten laitteiden organisoinnissa. Syvästi ja mielenkiintoisesti ajatteleva opettaja Jevgeni Mikhailovich on erinomainen tässä. Pletnev viipyi Timakinin luokassa useita vuosia, ja sitten, kun hän oli opiskelija, hän muutti Moskovan konservatorion professorin Ya. V. Flier.

Pletnevillä ei ollut helppoja oppitunteja Flierin kanssa. Eikä vain Yakov Vladimirovichin korkeiden vaatimusten vuoksi. Eikä siksi, että he edustivat eri sukupolvia taiteessa. Heidän luovat persoonallisuutensa, hahmonsa, luonteensa olivat liian erilaisia: kiihkeä, innostunut iästään huolimatta, professori ja opiskelija, joka näytti melkein täydelliseltä vastakohtalliselta, melkein antipodilta… Mutta kuten sanotaan, Flierillä ei ollut helppoa Pletnevin kanssa. Se ei ollut helppoa hänen vaikean, itsepäisen, vaikeaselkoisen luonteensa vuoksi: hänellä oli oma ja itsenäinen näkemys melkein kaikkeen, hän ei jättänyt keskusteluja, vaan päinvastoin etsi niitä avoimesti – he eivät juurikaan uskoneet ilman todisteita. Silminnäkijät kertovat, että Flier joutui joskus lepäämään pitkään Pletnevin oppituntien jälkeen. Kerran ikään kuin hän sanoi, että hän kuluttaa yhtä paljon energiaa yhdelle oppitunnille kuin kahdelle soolokonserttiin… Kaikki tämä ei kuitenkaan haitannut opettajan ja oppilaan syvää kiintymystä. Ehkä päinvastoin, se vahvisti häntä. Pletnev oli opettaja Flierin "joutsenlaulu" (valitettavasti hänen ei tarvinnut elää oppilaansa äänekkäimmän voiton mukaan); professori puhui hänestä toiveikkaasti, ihaillen, uskoen hänen tulevaisuuteensa: ”Katso, jos hän pelaa parhaan kykynsä mukaan, kuulet todella jotain epätavallista. Tätä ei tapahdu usein, usko minua - minulla on tarpeeksi kokemusta…” (Gornostajeva V. Kiistat nimestä // Neuvostoliiton kulttuuri. 1987. 10. maaliskuuta.).

Ja vielä yksi muusikko on mainittava, luetellen ne, joille Pletnev on velkaa, joiden kanssa hänellä oli melko pitkät luovat kontaktit. Tämä on Lev Nikolaevich Vlasenko, jonka luokassa hän valmistui konservatoriosta vuonna 1979 ja sitten apulaisharjoittelija. On mielenkiintoista muistaa, että tämä lahjakkuus on monessa suhteessa erilainen luova kokoonpano kuin Pletnevin: hänen antelias, avoin emotionaalisuus, laaja esiintymisalue – kaikki tämä paljastaa hänessä toisen taiteellisen tyypin edustajan. Taiteessa, kuten elämässä, vastakohdat kuitenkin usein lähentyvät, osoittautuvat hyödyllisiksi ja tarpeellisiksi toisilleen. Tästä on monia esimerkkejä pedagogisessa arjessa ja yhtyemusiikin tekemisessä jne., jne.

… Kouluvuosinaan Pletnev osallistui kansainväliseen musiikkikilpailuun Pariisissa (1973) ja voitti Grand Prix -palkinnon. Vuonna 1977 hän voitti ensimmäisen palkinnon All-Union-pianokilpailussa Leningradissa. Ja sitten seurasi yksi hänen taiteellisen elämänsä tärkeimmistä, ratkaisevista tapahtumista – kultainen voitto kuudennessa Tšaikovski-kilpailussa (1978). Tästä alkaa hänen tiensä suureen taiteeseen.

On huomionarvoista, että hän astui konserttilavalle lähes täydellisenä taiteilijana. Jos yleensä tällaisissa tapauksissa täytyy nähdä, kuinka oppipoikasta kasvaa vähitellen mestari, oppipoikasta kypsä, itsenäinen taiteilija, niin Pletnevin kanssa tätä ei ollut mahdollista havaita. Luovan kypsymisen prosessi osoittautui täällä ikään kuin rajoittuneeksi, piilossa uteliailta silmiltä. Yleisö tutustui välittömästi vakiintuneeseen konserttipelaajaan – rauhallinen ja varovainen toimissaan, täysin itseään hallitseva, lujasti tietävä että hän haluaa sanoa ja as se pitäisi tehdä. Hänen pelissään ei näkynyt mitään taiteellisesti epäkypsää, epäharmonista, levotonta, opiskelijamaista raakaa – vaikka hän oli tuolloin vasta 20-vuotias vähäisellä ja lavakokemuksella, hänellä ei käytännössä ollut.

Hänen ikäisensä joukossa hän erottui selvästi sekä tulkinnan vakavuudesta, ankaruudesta että äärimmäisen puhtaasta, henkisesti koholla olevasta asenteesta musiikkiin; jälkimmäinen ehkä miellytti häntä eniten… Hänen noiden vuosien ohjelmiinsa sisältyi kuuluisa Beethovenin XNUMX. sonaatti – monimutkainen, filosofisesti syvällinen musiikkikangas. Ja on ominaista, että juuri tästä sävellyksestä tuli yksi nuoren taiteilijan luovista kulminaatioista. Seitsemänkymmentäluvun lopun – XNUMX-luvun alun yleisö tuskin oli unohtanut Pletnevin esittämän Ariettan (sonaatin toinen osa) – sitten ensimmäistä kertaa nuori mies iski häneen ääntämistapallaan, ikään kuin alasävyllä. , erittäin painava ja merkittävä, musiikkiteksti. Hän on muuten säilyttänyt tämän tavan tähän päivään asti menettämättä hypnoottista vaikutustaan ​​yleisöön. (On olemassa puoli-vitsaileva aforismi, jonka mukaan kaikki konserttitaiteilijat voidaan jakaa kahteen pääkategoriaan; jotkut voivat soittaa hyvin Beethovenin XNUMX. sonaatin ensimmäisen osan, toiset voivat soittaa sen toisen osan. Pletnev soittaa molempia osia tasapuolisesti no, tätä tapahtuu todella harvoin.).

Yleisesti ottaen Pletnevin debyyttiä muistettaessa ei voi olla korostamatta, että hänen ollessaan vielä melko nuori, hänen pelissään ei ollut mitään kevytmielistä, pinnallista, ei mitään tyhjästä virtuoosihommasta. Erinomaisella pianistisella tekniikallaan – elegantilla ja loistavalla – hän ei koskaan antanut syytä moittia itseään puhtaasti ulkoisista tehosteista.

Melkein ensimmäisistä esiintymisistä lähtien kritiikki puhui hänen selkeästä ja rationaalisesta mielestään. Ajatuksen heijastus on todellakin aina selkeästi läsnä siinä, mitä hän tekee näppäimistöllä. "Ei henkisten liikkeiden jyrkkyyttä, vaan tasaisuutta tutkimus”- tämä määrää V. Chinaevin mukaan Pletnevin taiteen yleisen sävyn. Kriitikot lisää: "Pletnev todellakin tutkii kuulostavaa kangasta – ja tekee sen virheettömästi: kaikki on korostettuna – pienintä yksityiskohtaa myöten – kuvioitujen plexien vivahteet, katkoviivaisten, dynaamisten, muodollisten mittasuhteiden logiikka nousevat kuuntelijan mieleen. Analyyttisen mielen peli – varma, tietävä, erehtymätön” (Chinaev V. Selkeyden rauhallisuus // Sov. music. 1985. Nro 11. S. 56.).

Kerran lehdistössä julkaistussa haastattelussa Pletnevin keskustelukumppani kertoi hänelle: "Sinua, Mihail Vasilievich, pidetään älyllisen varaston taiteilijana. Punnitse tässä suhteessa erilaisia ​​etuja ja haittoja. Mielenkiintoista, mitä ymmärrät älykkyydellä musiikin taiteessa, erityisesti esiintymisessä? Ja miten älyllinen ja intuitiivinen korreloivat työssäsi?”

"Ensinnäkin, jos haluat, intuitiosta", hän vastasi. – Minusta tuntuu, että intuitio kykynä on lähellä sitä, mitä tarkoitamme taiteellisella ja luovalla lahjakkuudella. Intuition – kutsukaamme sitä, jos haluatte taiteellisen huolenpidon lahjaksi – ansiosta ihminen voi saavuttaa taiteessa enemmän kuin kiipeämällä vain erikoistiedon ja -kokemuksen vuorelle. Ajatukseni tueksi on monia esimerkkejä. Varsinkin musiikissa.

Mutta mielestäni kysymys pitäisi esittää hieman eri tavalla. Miksi or yksi asia or muu? (Mutta valitettavasti näin he yleensä lähestyvät ongelmaa, josta puhumme.) Miksei pitkälle kehittynyt intuitio plus hyvä tieto, hyvä ymmärrys? Miksei intuitiota ja kykyä rationaalisesti ymmärtää luova tehtävä? Tämän parempaa yhdistelmää ei ole.

Joskus kuulee, että tiedon kuorma voi jossain määrin painaa luovaa ihmistä, vaimentaa hänessä intuitiivista alkua… En usko. Pikemminkin päinvastoin: tieto ja looginen ajattelu antavat intuitiolle voimaa, terävyyttä. Vie se korkeammalle tasolle. Jos henkilö tuntee taiteen hienovaraisesti ja samalla kykenee syvällisiin analyyttisiin operaatioihin, hän menee luovuudessa pidemmälle kuin pelkkään vaistoon luottavainen.

Muuten, niille taiteilijoille, joista pidän henkilökohtaisesti erityisesti musiikin ja esittävien taiteiden parissa, erottuu vain harmoninen yhdistelmä intuitiivista – ja rationaalis-loogista, tiedostamatonta – ja tietoisuutta. Kaikki heistä ovat vahvoja sekä taiteellisesti että älyllisesti.

… Sanotaan, että kun erinomainen italialainen pianisti Benedetti-Michelangeli vieraili Moskovassa (se oli XNUMX-luvun puolivälissä), häneltä kysyttiin eräässä tapaamisessa pääkaupungin muusikoiden kanssa – mikä hänen mielestään on erityisen tärkeää esiintyjälle. ? Hän vastasi: musiikkiteoreettista tietoa. Utelias, eikö? Ja mitä teoreettinen tieto merkitsee esiintyjälle sanan laajimmassa merkityksessä? Tämä on ammattiälyä. Joka tapauksessa sen ydin…” (Musiikin elämä. 1986. Nro 11. S. 8.).

Keskustelua Pletnevin intellektualismista on käyty pitkään, kuten todettiin. Voit kuulla niitä sekä asiantuntijoiden piireissä että tavallisten musiikin ystävien keskuudessa. Kuten eräs kuuluisa kirjailija kerran totesi, on keskusteluja, jotka kerran alkaneet eivät lopu… Itse asiassa näissä keskusteluissa ei sinänsä ollut mitään tuomittavaa, ellei unohda: tässä tapauksessa meidän ei pitäisi puhua Pletnevin primitiivisesti ymmärretystä "kylmyydestä" ( jos hän olisi vain kylmä, emotionaalisesti köyhä, hänellä ei olisi mitään tekemistä konserttilavalla) eikä jonkinlaisesta "ajattelusta" hänestä, vaan taiteilijan erityisestä asenteesta. Erityinen lahjakkuuden typologia, erityinen "tapa" havaita ja ilmaista musiikkia.

Mitä tulee Pletnevin emotionaaliseen pidättymiseen, josta niin paljon puhutaan, kysymys kuuluu, kannattaako makuasioista kiistellä? Kyllä, Pletnev on suljettu luonne. Hänen soittonsa emotionaalinen ankaruus voi joskus saavuttaa lähes askeettisuuden – jopa silloin, kun hän esittää Tšaikovskia, yhtä hänen suosikkikirjailijoistaan. Jotenkin pianistin esityksen jälkeen lehdistössä ilmestyi arvostelu, jonka kirjoittaja käytti ilmaisua: "epäsuora sanoitus" – se oli sekä tarkkaa että ytimekäs.

Sellainen, toistamme, on taiteilijan taiteellinen luonne. Ja voi vain olla iloinen siitä, että hän ei "leikki", ei käytä lavakosmetiikkaa. Lopulta niiden joukossa, jotka todella on jotain sanottavaa, eristäytyminen ei ole niin harvinaista: sekä elämässä että lavalla.

Kun Pletnev debytoi konserttisoittajana, hänen ohjelmissaan näkyvällä paikalla olivat JS Bachin (partita b-molli, sarja a-molli), Lisztin (Rhapsodiat XNUMX ja XNUMX, pianokonsertto nro XNUMX), Tšaikovskin ( Muunnelmia F-duuri, pianokonsertot, Prokofjev (seitsemäs sonaatti). Myöhemmin hän soitti menestyksekkäästi useita Schubertin teoksia, Brahmsin kolmannen sonaatin, näytelmiä Vuosien vaeltajien syklistä ja Lisztin kahdestoista rapsodiasta, Balakirevin Islameysta, Rahmaninovin Rapsodiasta Paganinin teemasta, Tšainin suuret sonaatit ja Tšainin yksittäiset opukset. .

On mahdotonta puhua hänen monografisista iltaistaan, jotka on omistettu Mozartin ja Beethovenin sonaateille, puhumattakaan Saint-Saensin toisesta pianokonserttosta, Šostakovitšin preludeista ja fuugoista. Kaudella 1986/1987 Haydnin konsertto D-duuri, Debussyn pianosviitti, Rahmaninovin Preludit op. 23 ja muut kappaleet.

Pletnev etsii sinnikkäästi, tiukasti määrätietoisesti itseään lähimpänä olevia omia tyylialueitaan maailman pianoohjelmistosta. Hän kokeilee itseään eri kirjailijoiden, aikakausien, suuntausten taiteessa. Joillain tavoilla hän myös epäonnistuu, mutta useimmissa tapauksissa hän löytää tarvitsemansa. Ensinnäkin XNUMX-luvun musiikissa (JS Bach, D. Scarlatti), wieniläisissä klassikoissa (Haydn, Mozart, Beethoven), joillakin romantiikan luovilla alueilla (Liszt, Brahms). Ja tietysti venäläisten ja Neuvostoliiton koulujen kirjoittajien kirjoituksissa.

Kiistanalaisempi on Pletnevin Chopin (toinen ja kolmas sonaatti, poloneesit, balladit, nokturnit jne.). Täällä, tässä musiikissa, alkaa tuntua, että pianistilta todella puuttuu välillä tunteiden välittömyys ja avoimuus; Lisäksi on ominaista, että eri ohjelmistossa siitä ei tule mieleen puhua. Juuri täällä, Chopinin runouden maailmassa, huomaat yhtäkkiä, että Pletnev ei todellakaan ole liian taipuvainen myrskyisiin sydämen vuodatuksiin, että hän ei nykyaikaisesti ole kovin kommunikoiva ja että välillä on aina tietty etäisyys. hän ja yleisö. Jos esiintyjät, jotka johtaessaan musiikkia "puhuvat" kuuntelijan kanssa, näyttävät olevan "sinulla" hänen kanssaan; Pletnev aina ja vain "sinulle".

Ja toinen tärkeä kohta. Kuten tiedätte, Chopinissa, Schumannissa, joidenkin muiden romantikkojen teoksissa esiintyjältä vaaditaan usein hienon omituista mielialaleikkiä, impulsiivisuutta ja henkisten liikkeiden arvaamattomuutta, psykologisen vivahteen joustavuusLyhyesti sanottuna kaikki, mitä tapahtuu vain tietyn runollisen varaston ihmisille. Pletnevissä, muusikossa ja persoonassa, on kuitenkin jotain hieman erilaista... Romanttinen improvisaatiokaan ei ole hänelle lähellä - se erityinen vapaus ja näyttämötaavan löysyys, kun näyttää siltä, ​​että teos syntyy spontaanisti, melkein spontaanisti. konsertin esiintyjä.

Muuten, yksi arvostetuista musiikkitieteilijöistä, vieraillut kerran pianistin esityksessä, ilmaisi mielipiteensä, että Pletnevin musiikki "syntyy nyt, juuri tällä hetkellä". (Tsareva E. Luodaan kuvaa maailmasta // Sov. music. 1985. Nro 11. S. 55.). Eikö olekin? Eikö olisi tarkempaa sanoa, että asia on päinvastoin? Joka tapauksessa on paljon yleisempää kuulla, että kaikki (tai melkein kaikki) Pletnevin teoksessa on huolellisesti harkittu, järjestetty ja rakennettu etukäteen. Ja sitten, sen luontaisella tarkkuudella ja johdonmukaisuudella, se sisältyy "materiaaliin". Sisältyy tarkka-ampujan tarkkuuteen, lähes sataprosenttinen osuma kohteeseen. Tämä on taiteellinen menetelmä. Tämä on tyyli, ja tyyli on henkilö.

On oireellista, että esiintyjä Pletneviä verrataan toisinaan shakinpelaaja Karpoviin: he löytävät jotain yhteistä toimintansa luonteesta ja metodologiasta, lähestymistavoistaan ​​kohtaamiensa luovien tehtävien ratkaisemiseen, jopa puhtaasti ulkoisesta "kuvasta" siitä, mitä he luovat – yksi kosketinpianon takana, toiset shakkilaudan ääressä. Esiintyviä Pletnevin tulkintoja verrataan Karpovin klassisen selkeisiin, harmonisiin ja symmetrisiin rakenteisiin; jälkimmäisiä puolestaan ​​verrataan Pletnevin äänirakenteisiin, jotka ovat moitteeton ajattelun logiikan ja suoritustekniikan suhteen. Kaikesta tällaisten analogioiden konventionaalisuudesta huolimatta, kaikesta subjektiivisuudestaan ​​huolimatta niissä on selvästi jotain, joka herättää huomion…

Sanomaan kannattaa lisätä, että Pletnevin taiteellinen tyyli on yleisesti aikamme musiikilliselle ja esittävälle taiteelle tyypillistä. Erityisesti tuo improvisaatiovastainen lavainkarnaatio, joka on juuri tuotu esiin. Jotain vastaavaa voidaan havaita tämän päivän merkittävimpien taiteilijoiden työssä. Tässä, kuten monissa muissakin asioissa, Pletnev on hyvin moderni. Ehkä siksi hänen taiteensa ympärillä käydään niin kiivasta keskustelua.

… Hän antaa yleensä vaikutelman täysin itsevarmasta ihmisestä – sekä lavalla että arjessa, kommunikoinnissa muiden kanssa. Jotkut ihmiset pitävät siitä, toiset eivät todellakaan pidä siitä… Samassa keskustelussa hänen kanssaan, josta osia yllä lainattiin, tätä aihetta koskettiin epäsuorasti:

– Tietysti tiedät, Mihail Vasilyevich, että on taiteilijoita, joilla on tapana yliarvioida itseään tavalla tai toisella. Toiset päinvastoin kärsivät oman "minänsä" aliarvioinnista. Voisitko kommentoida tätä tosiasiaa, ja se olisi hyvä tästä näkökulmasta: taiteilijan sisäinen itsetunto ja hänen luova hyvinvointinsa. Tarkalleen luova...

– Mielestäni kaikki riippuu siitä, missä työvaiheessa muusikko on. Missä vaiheessa. Kuvittele, että tietty esiintyjä oppii kappaletta tai konserttiohjelmaa, joka on hänelle uusi. On siis yksi asia epäillä työn alussa tai jopa sen puolivälissä, kun ollaan enemmän yhdessä musiikin ja itsensä kanssa. Ja aivan toinen – lavalla…

Taiteilijan ollessa luovassa yksinäisyydessä, hänen ollessaan vielä työssään, on aivan luonnollista, että hän epäilee itseään, aliarvioi tekemänsä. Kaikki tämä on vain hyvää. Mutta kun huomaat olevasi julkisuudessa, tilanne muuttuu ja perusteellisesti. Täällä kaikenlainen pohdiskelu, itsensä aliarviointi on täynnä vakavia ongelmia. Joskus korjaamaton.

On muusikoita, jotka jatkuvasti piinaavat itseään ajatuksella, että he eivät voi tehdä jotain, he erehtyvät jossain, he epäonnistuvat jossain; jne. Ja ylipäätään he sanovat, mitä heidän pitäisi tehdä lavalla, kun maailmassa on vaikkapa Benedetti Michelangeli… On parempi olla esiintymättä lavalla sellaisin mielin. Jos salissa oleva kuuntelija ei tunne luottamusta taiteilijaan, hän menettää tahtomattaan kunnioituksen häntä kohtaan. Siten (tämä on pahin kaikista) ja hänen taiteelleen. Ei ole sisäistä vakaumusta – ei ole vakuuttavuutta. Esiintyjä epäröi, esiintyjä epäröi, ja myös yleisö epäilee.

Yleisesti ottaen tiivistäisin asian näin: epäilykset, ponnistelujen aliarviointi kotitehtävissä – ja ehkä enemmän itseluottamusta lavalla.

– Itseluottamus, sanot… On hyvä, jos tämä ominaisuus on periaatteessa ihmisessä luontainen. Jos hän on hänen luonteensa. Ja jos ei?

"Sitten en tiedä. Mutta tiedän vahvasti jotain muuta: kaikki julkiseen esittelyyn valmistamasi ohjelman valmistelutyöt on tehtävä äärimmäisen perusteellisesti. Esiintyjän omantunnon, kuten sanotaan, on oltava ehdottoman puhdas. Sitten tulee luottamus. Ainakin minulla on näin (Musiikin elämä. 1986. Nro 11. S. 9.).

… Pletnevin pelissä kiinnitetään aina huomiota ulkopinnan perusteellisuuteen. Korujen yksityiskohtien jahtaaminen, linjojen moitteeton oikeellisuus, ääniääriviivojen selkeys ja mittasuhteiden tiukka kohdistaminen ovat silmiinpistäviä. Itse asiassa Pletnev ei olisi Pletnev, jos ei olisi tätä ehdotonta täydellisyyttä kaikessa, mikä on hänen käsiensä työtä – ellei tämä valloittava tekninen taito. "Taiteessa siro muoto on hieno asia, varsinkin missä inspiraatio ei murtaudu myrskyisissä aalloissa..." (Musiikaalisesta esityksestä. – M., 1954. S. 29.)– kirjoitti kerran VG Belinsky. Hän piti mielessä nykyajan näyttelijä VA Karatygin, mutta hän ilmaisi yleismaailmallisen lain, joka ei liity pelkästään draamateatteriin, vaan myös konserttilavaan. Ja kukaan muu kuin Pletnev on loistava vahvistus tälle laille. Hän voi olla enemmän tai vähemmän intohimoinen musiikin tekemiseen, hän voi esiintyä enemmän tai vähemmän menestyksekkäästi – ainoa asia, jota hän ei yksinkertaisesti voi olla, on huolimaton…

"On konserttisoittajia", jatkaa Mihail Vasilievich, jonka soitossa joskus tuntuu jonkinlaista lähentymistä, luonnostaan. Katsos nyt, he "supertelevat" pedaalilla paksusti teknisesti vaikean paikan, sitten he nostavat taiteellisesti kätensä, pyöräyttävät silmiään kattoon, kääntäen kuulijan huomion pois pääasiasta, näppäimistöltä… Henkilökohtaisesti tämä on vieras minulle. Toistan: Lähden siitä olettamuksesta, että julkisesti esitettävässä teoksessa kaikki tulee saada kotitehtävissä ammatilliseen täydellisyyteen, terävyyteen ja tekniseen täydellisyyteen. Elämässä, jokapäiväisessä elämässä kunnioitamme vain rehellisiä ihmisiä, eikö niin? – emmekä kunnioita niitä, jotka johtavat meidät harhaan. Sama on lavalla."

Vuosien mittaan Pletnev on yhä tiukempi itselleen. Kriteereitä, joiden mukaan häntä ohjataan työssään, jäykistetään. Uusien teosten oppimisajat pidentyvät.

”Näetkö, kun olin vielä opiskelija ja juuri aloitin soittamaan, vaatimukseni soittamiselle perustuivat paitsi omiin makuuni, näkemykseeni, ammatillisiin lähestymistapoihini, myös siihen, mitä kuulin opettajiltani. Jossain määrin näin itseni heidän havaintonsa prisman läpi, arvioin itseni heidän ohjeidensa, arvioiden ja toiveiden perusteella. Ja se oli täysin luonnollista. Sitä tapahtuu kaikille opiskellessaan. Nyt minä itse, alusta loppuun, määritän suhtautumiseni tehtyyn. Se on mielenkiintoisempaa, mutta myös vaikeampaa ja vastuullisempaa."

* * *

Pletnev kulkee tänään tasaisesti, johdonmukaisesti eteenpäin. Tämän huomaa jokainen ennakkoluuloton tarkkailija, kuka tahansa tietää miten katso. Ja haluaa katso tietysti. Samalla olisi tietysti väärin ajatella, että hänen polkunsa on aina tasainen ja suora, vailla sisäisiä siksakkia.

”En voi millään tavalla sanoa, että olen nyt päässyt johonkin horjumattomaan, lopulliseen, lujasti vakiintuneeseen. En voi sanoa: ennen, sanotaan, tein sellaisia ​​ja sellaisia ​​tai sellaisia ​​virheitä, mutta nyt tiedän kaiken, ymmärrän enkä toista virheitä uudelleen. Tietysti jotkut menneisyyden väärinkäsitykset ja virhearviot tulevat minulle ilmeisemmiksi vuosien mittaan. En kuitenkaan ole kaukana ajattelusta, etten joutuisi tänään muihin harhaluuloihin, jotka tuntuvat myöhemmin.

Ehkäpä se on Pletnevin taiteilijan kehityksen arvaamattomuus – ne yllätykset ja yllätykset, vaikeudet ja ristiriidat, ne voitot ja tappiot, joita tähän kehitykseen liittyy – ja lisää kiinnostusta hänen taiteeseensa. Kiinnostus, joka on osoittanut vahvuutensa ja vakaumuksensa sekä maassamme että ulkomailla.

Tietenkään kaikki eivät rakasta Pletneviä yhtäläisesti. Ei ole mitään luonnollisempaa ja ymmärrettävämpää. Erinomainen neuvostoproosakirjailija Y. Trifonov sanoi kerran: "Mielestäni kirjailija ei voi eikä saakaan olla kaikkien mielestä." (Trifonov Yu. Kuinka sanamme vastaa… – M., 1985. S. 286.). Muusikko myös. Mutta käytännössä kaikki kunnioittavat Mihail Vasilyevichiä, sulkematta pois ehdotonta enemmistöä lavalla olevista kollegoistaan. Ei luultavasti ole luotettavampaa ja todenmukaisempaa indikaattoria, jos puhumme esiintyjän todellisista, ei kuvitteellisista ansioista.

Pletnevin nauttimaa kunnioitusta helpottavat suuresti hänen gramofonilevynsä. Muuten, hän on yksi niistä muusikoista, jotka eivät vain häviä äänityksissä, vaan joskus jopa voittaa. Erinomaisena vahvistuksena tästä ovat levyt, jotka esittävät pianistin esitystä useista Mozart-sonaateista ("Melody", 1985), h-molli sonaatti, "Mefisto-valssi" ja muita Lisztin kappaleita ("Melody", 1986), Rahmaninovin ensimmäinen pianokonsertto ja "Rapsodia Paganini-teemalla" ("Melody", 1987). Tšaikovskin "The Seasons" ("Melody", 1988). Tätä listaa voisi jatkaa jos haluaa...

Elämänsä pääasia – pianonsoiton – lisäksi Pletnev myös säveltää, johtaa, opettaa ja tekee muitakin teoksia; Sanalla sanoen, se vie paljon. Nyt hän kuitenkin ajattelee yhä enemmän sitä tosiasiaa, että on mahdotonta tehdä jatkuvasti työtä vain "lahjoittamiseksi". Että on tarpeen hidastaa vauhtia aika ajoin, katsoa ympärilleen, havaita, omaksua…

”Tarvitsemme sisäisiä säästöjä. Vasta kun he ovat, on halu tavata kuuntelijoita, jakaa mitä sinulla on. Esiintyvälle muusikolle, samoin kuin säveltäjälle, kirjailijalle, taidemaalarille tämä on äärimmäisen tärkeää – halu jakaa… Kerro ihmisille, mitä tiedät ja tunnet, välittää luovaa jännitystäsi, ihailuasi musiikkia kohtaan, ymmärrystäsi siitä. Jos sellaista halua ei ole, et ole taiteilija. Ja taiteenne ei ole taidetta. Olen useammin kuin kerran huomannut mahtavien muusikoiden tapaamisessa, että siksi he menevät lavalle, että heidän täytyy tuoda luovat konseptinsa julkisiksi, kertoa asenteestaan ​​tähän tai tuohon teokseen, tekijään. Olen vakuuttunut, että tämä on ainoa tapa hoitaa liiketoimintaasi."

G. Tsypin, 1990

Vuonna 1980 Pletnev debytoi kapellimestarina. Antamalla pianistisen toiminnan päävoimat hän esiintyi usein maamme johtavien orkesterien konsolissa. Mutta hänen kapellimestarin uransa nousu tuli 90-luvulla, kun Mihail Pletnev perusti Venäjän kansallisorkesterin (1990). Hänen johdollaan parhaiden muusikoiden ja samanhenkisten ihmisten joukosta koottu orkesteri saavutti hyvin nopeasti maineen yhtenä maailman parhaista orkestereista.

Mihail Pletnevin johtamistoiminta on rikasta ja monipuolista. Kuluneiden kausien aikana Maestro ja RNO ovat esittäneet useita monografisia ohjelmia, jotka on omistettu JS Bachille, Schubertille, Schumannille, Mendelssohnille, Brahmsille, Lisztille, Wagnerille, Mahlerille, Tšaikovskille, Rimski-Korsakoville, Skrjabinille, Prokofjeville, Šostakovitšille, Stravinskille… Kasvava huomio kapellimestariin keskittyy oopperan genreen: lokakuussa 2007 Mihail Pletnev debytoi oopperakapellimestarina Bolshoi-teatterissa Tšaikovskin oopperalla Patakuningatar. Seuraavina vuosina kapellimestari esitti konserttiesityksiä Rahmaninovin Aleko ja Francesca da Rimini, Bizet'n Carmen (PI Tšaikovski-konserttitalo) ja Rimski-Korsakovin Vappuyö (Arhangelskoye Estate Museum).

Hedelmällisen yhteistyön lisäksi Venäjän kansallisorkesterin kanssa Mikhail Pletnev toimii vierailevana kapellimestarina sellaisissa johtavissa musiikkiryhmissä kuin Mahler Chamber Orchestra, Concertgebouw Orchestra, Philharmonia Orchestra, London Symphony Orchestra, Birmingham Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic Orchestra, Tokyo …

Mihail Pletnev perusti vuonna 2006 Mikhail Pletnev -säätiön kansallisen kulttuurin tukemiseksi, järjestön, jonka tavoitteena on Pletnevin pääaiheen, Venäjän kansallisorkesterin, järjestämisen lisäksi järjestää ja tukea korkeimman tason kulttuurihankkeita, kuten Volgaa. Tours, muistokonsertti Beslanin kauheiden tragedioiden uhrien muistoksi, musiikki- ja koulutusohjelma "Magic of Music", joka on suunniteltu erityisesti orpokotien ja sisäoppilaitosten oppilaille fyysisesti ja henkisesti vammaisille lapsille, tilausohjelma Konserttitalo "Orchestrion", jossa järjestetään konsertteja yhdessä MGAF:n kanssa, mukaan lukien sosiaalisesti suojaamattomille kansalaisille, laaja diskografinen toiminta ja Big RNO -festivaali.

Erittäin merkittävä paikka M. Pletnevin luovassa toiminnassa on sävellyksellä. Hänen teoksiaan ovat Triptyykki sinfoniaorkesterille, Fantasia viululle ja orkesterille, Capriccio pianolle ja orkesterille, piano-sovitukset sarjoista Tšaikovskin balettien Pähkinänsärkijä ja Nukkuva kaunotar musiikista, otteita baletin Anna Karenina musiikista. Shchedrin, alttoviulukonsertto, sovitus Beethovenin viulukonserton klarinetille.

Mikhail Pletnevin toimintaa leimaavat jatkuvasti korkeat palkinnot – hän on valtion ja kansainvälisten palkintojen, mukaan lukien Grammy- ja Triumph-palkintojen saaja. Vasta vuonna 2007 muusikolle myönnettiin Venäjän federaation presidentin palkinto, Isänmaan ansiomerkki, III astetta, Moskovan Danielin ritarikunta, jonka myönsi Hänen pyhyytensä Moskovan ja koko Venäjän patriarkka Aleksi II.