Dmitri Dmitrievich Šostakovitš |
Dmitri Šostakovitš
D. Šostakovitš on XNUMX. vuosisadan musiikin klassikko. Kukaan sen suurista isännistä ei ollut niin läheisesti yhteydessä kotimaansa vaikeaan kohtaloon, ei kyennyt ilmaisemaan aikansa huutavia ristiriitoja sellaisella voimalla ja intohimolla, arvioimaan sitä ankaralla moraalisella tuomiolla. Tässä säveltäjän osallisuudesta kansansa tuskaan ja vaikeuksiin piilee hänen panoksensa musiikin historiaan maailmansotien ja suurenmoisten yhteiskunnallisten mullistusten vuosisadalla, jota ihmiskunta ei ollut ennen tiennyt.
Šostakovitš on luonteeltaan universaalinen taiteilija. Ei ole yhtä genreä, jossa hän ei sanonut painavaa sanaansa. Hän joutui läheiseen kosketukseen sellaisen musiikin kanssa, jota vakavat muusikot toisinaan kohtelivat ylimielisesti. Hän on kirjoittanut lukuisia kansanjoukkojen poimimia kappaleita ja tähän päivään asti loistavia pop- ja jazzmusiikin sovituksia, joista hän oli erityisen ihastunut tyylin muodostumisen aikaan – 20-luvulla. 30s, iloinen. Mutta luovien voimien tärkein sovellusalue hänelle oli sinfonia. Ei siksi, että muut vakavan musiikin genret olisivat olleet hänelle täysin vieraita – hänellä oli vertaansa vailla oleva lahjakkuus aidosti teatterisäveltäjänä, ja elokuvatyö tarjosi hänelle pääasiallisen toimeentulon. Mutta Pravda-sanomalehden pääkirjoituksessa vuonna 1936 aiheutettu töykeä ja epäreilu moittiminen otsikolla "Musiikkia musiikin sijaan" sai hänet pitkään luopumaan oopperan genrestä – tehdyt yritykset (ooppera "Soittimet", N. Gogol) jäi kesken, eivätkä suunnitelmat edenneet toteutusvaiheeseen.
Ehkä juuri tähän vaikuttivat Šostakovitšin persoonallisuuden piirteet – hän ei luonteeltaan ollut taipuvainen avoimiin protestin ilmaisumuotoihin, hän myöntyi helposti itsepäisille järjettömyyksiin erityisen älykkyytensä, herkkyytensä ja puolustuskyvyttömyytensä töykeää mielivaltaa vastaan. Mutta tämä tapahtui vain elämässä – taiteessa hän oli uskollinen luoville periaatteilleen ja vahvisti niitä siinä genressä, jossa hän tunsi itsensä täysin vapaaksi. Siksi käsitteellinen sinfonia nousi Šostakovitšin etsintöjen keskipisteeseen, jossa hän saattoi avoimesti puhua totuudesta ajastaan tinkimättä. Hän ei kuitenkaan kieltäytynyt osallistumasta taiteellisiin yrityksiin, jotka ovat syntyneet komento-hallinnollisen järjestelmän asettamien taiteen tiukkojen vaatimusten paineessa, kuten M. Chiaurelin elokuvassa "Berliinin kukistuminen", jossa hillittömästi ylistettiin suuruutta. ja ”kansakuntien isän” viisaus saavutti äärirajan. Mutta osallistuminen tämän tyyppisiin elokuvamonumentteihin tai muihin, joskus jopa lahjakkaisiin teoksiin, jotka vääristelivät historiallista totuutta ja loivat poliittiselle johdolle miellyttävän myytin, eivät suojeleneet taiteilijaa vuonna 1948 tehdyltä julmalta kostolta. Stalinin hallinnon johtava ideologi , A. Zhdanov, toisti Pravda-sanomalehden vanhaan artikkeliin sisältyviä karkeita hyökkäyksiä ja syytti säveltäjää yhdessä muiden tuon ajan neuvostomusiikin mestareiden kanssa kansanvastaisen formalismin noudattamisesta.
Myöhemmin, Hruštšovin "sulan" aikana, tällaiset syytökset poistettiin ja säveltäjän erinomaiset teokset, joiden julkinen esittäminen kiellettiin, löysivät tiensä kuuntelijalle. Mutta draama säveltäjän henkilökohtaisesta kohtalosta, joka selvisi epävanhurskaan vainon ajanjaksosta, jätti lähtemättömän jäljen hänen persoonallisuutensa ja määritti hänen luovansa suunnan, joka kohdistui ihmisen olemassaolon moraalisiin ongelmiin maan päällä. Tämä oli ja on edelleen tärkein asia, joka erottaa Šostakovitšin musiikin tekijöistä XNUMX-luvulla.
Hänen elämänsä ei ollut rikas tapahtumista. Valmistuttuaan Leningradin konservatoriosta loistavalla debyytillä – upealla ensimmäisellä sinfonialla – hän aloitti ammattisäveltäjän elämän ensin Nevan kaupungissa, sitten Moskovassa suuren isänmaallisen sodan aikana. Hänen toimintansa konservatorion opettajana oli suhteellisen lyhyttä – hän jätti sen vastoin tahtoaan. Mutta tähän päivään asti hänen oppilaansa ovat säilyttäneet muiston suuresta mestarista, jolla oli ratkaiseva rooli heidän luovan yksilöllisyytensä muodostumisessa. Jo ensimmäisessä sinfoniassa (1925) on selvästi havaittavissa Šostakovitšin musiikin kaksi ominaisuutta. Yksi niistä heijastui uuden instrumentaalisen tyylin muodostumiseen sen luontaisella helppoudella, konsertti-instrumenttien kilpailun helppoudella. Toinen ilmeni jatkuvana haluna antaa musiikille korkein merkitys, paljastaa syvä käsitys filosofisesta merkityksestä sinfonisen genren avulla.
Monet säveltäjän loistavaa alkua seuranneista teoksista heijastelevat aikakauden levotonta ilmapiiriä, jossa aikakauden uusi tyyli syntyi ristiriitaisten asenteiden kamppailussa. Joten toisessa ja kolmannessa sinfoniassa ("lokakuu" - 1927, "vappu" - 1929) Šostakovitš kunnioitti musiikkijulistetta, ne osoittivat selvästi 20-luvun taistelutaiteen, propagandataiteen vaikutuksen. (Ei ole sattumaa, että säveltäjä sisällytti niihin kuorokappaleita nuorten runoilijoiden A. Bezymenskyn ja S. Kirsanovin runoihin). Samalla he osoittivat myös elävää teatraalisuutta, joka niin valloitti E. Vakhtangovin ja Vs. Meyerhold. Heidän esityksensä vaikuttivat Šostakovitšin ensimmäisen Gogolin kuuluisaan tarinaan perustuvan oopperan Nenä (1928) tyyliin. Sieltä ei tule vain terävää satiiria, parodiaa, yksittäisten hahmojen ja herkkäuskoisten, nopeasti paniikkiin menevien ja nopeasti tuomitsevien joukkojen kuvauksessa groteskin saavuttamista, vaan myös se koskettava intonaatio "naurua kyynelten läpi", joka auttaa meitä tunnistamaan ihmisen. jopa sellaisessa vulgaarisessa ja tarkoituksellisessa merkityksettömyydessä, kuten Gogolin majuri Kovalev.
Šostakovitšin tyyli ei ainoastaan imenyt maailman musiikkikulttuurin kokemuksen vaikutteita (tässä säveltäjälle tärkeimmät olivat M. Mussorgski, P. Tšaikovski ja G. Mahler), vaan myös omaksui silloisen musiikkielämän äänet – jotka yleensä "kevyen" genren saavutettavissa oleva kulttuuri, joka hallitsi joukkojen mieliä. Säveltäjän asenne siihen on ambivalenttinen – hän välillä liioittelee, parodioi muodikkaiden laulujen ja tanssien tunnusomaisia käänteitä, mutta samalla jalostaa niitä, nostaa ne todellisen taiteen korkeuksiin. Tämä asenne korostui erityisesti varhaisissa baletteissa Kulta-aika (1930) ja The Bolt (1931), ensimmäisessä pianokonsertossa (1933), jossa soolotrumpetista tulee orkesterin ohella pianolle arvokas kilpailija, ja myöhemmin scherzo ja kuudennen sinfonian finaali (1939). Loistava virtuoosisuus, röyhkeät eksentriset yhdistyvät tässä sävellyksessä sydämellisiin sanoituksiin, sinfonian ensimmäisen osan "loputtoman" melodian käytön hämmästyttävään luonnollisuuteen.
Ja lopuksi, ei voi olla mainitsematta nuoren säveltäjän luovan toiminnan toista puolta – hän työskenteli lujasti ja lujasti elokuvissa, ensin mykkäelokuvan esittelyn kuvittajana, sitten yhtenä Neuvostoliiton äänielokuvien tekijöistä. Hänen kappaleensa elokuvasta "Oncoming" (1932) saavutti valtakunnallisen suosion. Samaan aikaan "nuoren muusan" vaikutus vaikutti myös hänen konserttifilharmonisten sävellyksiensä tyyliin, kieleen ja sävellysperiaatteisiin.
Halu ilmentää nykymaailman akuuteimpia konflikteja suurenmoisine mullistuksineen ja vastakkaisten voimien rajuimpaan yhteenottoon heijastui erityisesti 30-luvun mestarin pääteoksissa. Tärkeä askel tällä tiellä oli ooppera Katerina Izmailova (1932), joka perustui N. Leskovin tarinan Lady Macbeth of the Mtsensk District -juoniin. Päähenkilön kuvassa paljastuu monimutkainen sisäinen taistelu kokonaisen ja omalla tavallaan rikkaasti lahjakkaan luonnon sielussa - "elämän lyijykauhojen" ikeen alla, sokeiden, järjettömyyden vallassa. intohimo, hän tekee vakavia rikoksia, joita seuraa julma kosto.
Säveltäjä saavutti kuitenkin suurimman menestyksen viidennessä sinfoniassa (1937), joka on merkittävin ja perustavin saavutus Neuvostoliiton sinfonian kehityksessä 30-luvulla. (käännös uuteen tyylilaatuun hahmoteltiin aiemmin kirjoitetussa neljännessä sinfoniassa, mutta sitten ei soinut – 1936). Viidennen sinfonian vahvuus piilee siinä, että sen lyyrisen sankarin kokemukset paljastuvat läheisimmässä yhteydessä ihmisten ja laajemmin koko ihmiskunnan elämään suurimman shokin aattona, jonka maan kansat ovat koskaan kokeneet. maailma – toinen maailmansota. Tämä määritti musiikin korostetun dramaattisuuden, sen luontaisen korostetun ilmaisun – lyyrinen sankari ei tule tässä sinfoniassa passiivista pohdiskelijaa, hän arvioi tapahtuvan ja tulevan korkeimman moraalisen oikeuden avulla. Välinpitämättömyyteen maailman kohtaloa kohtaan vaikutti myös taiteilijan kansalaisasema, hänen musiikkinsa humanistinen suuntautuminen. Se näkyy useissa muissa kamariluovuuden genreihin kuuluvissa teoksissa, joista Piano Quintet (1940) erottuu.
Suuren isänmaallisen sodan aikana Šostakovitšista tuli yksi taiteilijoiden - fasismin vastaisten taistelijoiden - joukosta. Hänen seitsemäs ("Leningrad") sinfonia (1941) nähtiin kaikkialla maailmassa taistelevan kansan elävänä äänenä, joka ryhtyi elämän ja kuoleman taisteluun olemassaolon oikeuden nimissä korkeimman ihmisen puolustamiseksi. arvot. Tässä teoksessa, kuten myöhemmässä 1943. sinfoniassa (1944), kahden vastakkaisen leirin vastakkainasettelu ilmaantui suoraan, välittömästi. Koskaan ennen musiikin taiteessa pahan voimia ei ole kuvattu näin elävästi, ei koskaan aikaisemmin ole paljastettu ahkerasti toimivan fasistisen "tuhokoneiston" tylsää mekaanisuutta niin raivolla ja intohimolla. Mutta säveltäjän "sotilaalliset" sinfoniat (samoin kuin useissa muissakin teoksissaan, esimerkiksi pianotriossa I. Sollertinskyn muistoksi – XNUMX) ovat yhtä elävästi edustettuina säveltäjän "sota"sinfonioissa, henkisissä sinfonioissa. aikansa ongelmista kärsivän ihmisen sisäisen maailman kauneus ja rikkaus.
Sodan jälkeisinä vuosina Šostakovitšin luova toiminta kehittyi uudella voimalla. Kuten ennenkin, hänen taiteellisten etsintöjensä johtava linja esitettiin monumentaalisissa sinfonisissa kankaissa. Hieman kevennetyn yhdeksännen (1945), eräänlaisen intermezzon jälkeen, joka ei kuitenkaan ollut vailla selkeitä kaikuja äskettäin päättyneestä sodasta, säveltäjä loi inspiroidun Kymmenennen sinfonian (1953), joka nosti esiin teeman yhdysvaltain traagisesta kohtalosta. taiteilija, hänen vastuunsa korkea mitta nykymaailmassa. Uusi oli kuitenkin pitkälti aikaisempien sukupolvien ponnistelujen hedelmää – siksi Venäjän historian käännekohdan tapahtumat houkuttelivat säveltäjää niin paljon. Vuoden 1905 vallankumous, jota leimaa verinen sunnuntai 9. tammikuuta, herää henkiin monumentaalisessa ohjelmallisessa 1957. sinfoniassa (1917), ja voittajan vuoden 1961 saavutukset inspiroivat Šostakovitšia luomaan XNUMX. sinfonian (XNUMX).
Pohdintoja historian merkityksestä, sen sankarien tekojen merkityksestä heijastui myös yksiosaisessa laulusinfoniisessa runossa "Stepan Razinin teloitus" (1964), joka perustuu katkelmaan E. Jevtushenkon teoksesta. runo "Bratskin vesivoimala". Mutta aikamme tapahtumat, jotka johtuvat NSKP:n XX kongressin ilmoittamista radikaaleista muutoksista ihmisten elämässä ja heidän maailmankuvassaan, eivät jättäneet välinpitämättömäksi neuvostomusiikin suurmestaria – heidän elävä henkäys on käsinkosketeltava 1962. Sinfonia (1974), myös kirjoitettu E. Jevtushenkon sanoille. Neljännessätoista sinfoniassa säveltäjä kääntyi eri aikojen ja kansojen runoilijoiden (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) runoihin – häntä veti puoleensa teema ihmiselämän ohimenevyydestä ja ikuisuudesta. todellisen taiteen luomuksia, joita ennen jopa suvereeni kuolema. Sama teema muodosti perustan ajatukselle vokaalisinfonisesta syklistä, joka perustuu suuren italialaisen taiteilijan Michelangelo Buonarrotin (1971) runoihin. Ja lopuksi, viimeisessä, XNUMX. sinfoniassa (XNUMX), lapsuuden kuvat heräävät jälleen henkiin, luotuina elämään viisaan luojan katseen edessä, joka on oppinut tuntemaan todella mittaamattoman määrän inhimillistä kärsimystä.
Kaikesta sinfonian merkityksestä Šostakovitšin sodanjälkeisessä teoksessa, se ei suinkaan tyhjennä kaikkea merkittävintä, jonka säveltäjä loi viimeisen kolmenkymmenen vuoden aikana elämänsä ja luovansa. Hän kiinnitti erityistä huomiota konsertti- ja kamariinstrumentaalilajeihin. Hän loi 2 viulukonserttoa (1948 ja 1967), kaksi sellokonserttoa (1959 ja 1966) ja toisen pianokonserton (1957). Tämän genren parhaat teokset ilmentävät syvällisiä filosofisen merkityksen käsityksiä, jotka ovat verrattavissa hänen sinfonioissaan niin vaikuttavalla voimalla ilmaistuihin käsitteisiin. Hengellisen ja epähengellisen törmäyksen terävyys, ihmisneron korkeimmat impulssit ja vulgaarisuuden, tahallisen primitiivisyyden aggressiivinen hyökkäys on käsinkosketeltavaa Toisessa sellokonsertossa, jossa yksinkertainen, "katu"-motiivi muuttuu tuntemattomaksi paljastaen sen. epäinhimillinen olemus.
Kuitenkin sekä konserteissa että kamarimusiikissa Šostakovitšin virtuoosisuus paljastuu sävellyksistä, jotka avaavat mahdollisuuksia vapaalle kilpailulle muusikoiden kesken. Täällä päälaji, joka herätti mestarin huomion, oli perinteinen jousikvartetto (säveltäjän kirjoittamia on yhtä monta kuin sinfoniaa – 15). Šostakovitšin kvartetot hämmästyttävät erilaisilla ratkaisuilla moniosaisista sykleistä (yhdestoista – 1966) yksiosaisiin sävellyksiin (kolmetoista – 1970). Useissa kamariteoksissaan (1960. kvartetissa – 1975, sonaatissa alttoviululle ja pianolle – XNUMX) säveltäjä palaa aikaisempien sävellyksiensä musiikkiin ja antaa sille uuden soundin.
Muiden genren teosten joukosta voidaan mainita Leipzigin Bachin juhlista innoittama monumentaalinen Preludit ja Fuugat pianolle (1951), oratorio Metsien laulu (1949), jossa ensimmäistä kertaa Neuvostoliiton musiikissa teemana nousi esiin ihmisen vastuu ympäröivän luonnon säilyttämisestä. Voit myös nimetä Kymmenen runoa a cappella -kuorolle (1951), laulusyklin "Jewish Folk Poetry" (1948), syklit runoilijoiden Sasha Cherny ("Satiireja" – 1960), Marina Tsvetaeva (1973) runoista.
Työ elokuvateattereissa jatkui sodan jälkeisinä vuosina – Šostakovitšin musiikkia elokuviin ”The Gadfly” (perustuu E. Voynichin romaaniin – 1955), sekä Shakespearen tragedioiden ”Hamlet” (1964) sovituksiin ja "King Lear" (1971) tuli laajalti tunnetuksi. ).
Šostakovitšilla oli merkittävä vaikutus Neuvostoliiton musiikin kehitykseen. Se ei ilmaissut niinkään mestarin hänelle ominaisen tyylin ja taiteellisten keinojen välittömässä vaikutuksessa, vaan halussa musiikin korkeaan sisältöön, sen yhteyteen ihmisten elämän perusongelmiin maan päällä. Pohjimmiltaan humanistinen, muodoltaan todella taiteellinen, Shostakovitšin teos sai maailmanlaajuista tunnustusta, ja siitä tuli selkeä ilmaus uudesta, jonka Neuvostoliiton maan musiikki antoi maailmalle.
M. Tarakanov
