Syntetisaattorin luomisen ja kehityksen historia

Tiedämme kaikki varsin hyvin, että piano on instrumenttina erittäin monipuolinen ja syntetisaattori on vain yksi sen puolista, joka voi muuttaa radikaalisti kaiken musiikin, laajentaa sen mahdollisuuksia rajoihin, joita klassiset säveltäjät eivät voi edes kuvitella. Harva tietää, mitä polkua kuljettiin ennen kuin meille tuttu syntetisaattori ilmestyi. Kiirehdin täyttämään tämän aukon.

Mielestäni ei kannata toistaa voitokasta puhetta teknologian kehityksestä. Voit lukea pianon historiasta täältä.

Päivititkö artikkelin muistissasi, luitko sen ensimmäistä kertaa vai päätitkö jättää sen huomioimatta? Sillä ei kuitenkaan ole väliä… Mennään asiaan!

Historia: ensimmäiset syntetisaattorit

Sanan "syntetisaattori" juuret tulevat käsitteestä "synteesi", toisin sanoen jonkin (meidän tapauksessamme äänen) luominen aiemmin erilaisista osista. Yksi sen keskeisistä ominaisuuksista on, että syntetisaattori pystyy toistamaan paitsi klassisen pianon äänet (ja muuten pianon äänetkin tarjotaan useimmiten eri versioina), vaan myös jäljittelemään monien muiden äänien ääntä. soittimia. Ne sisältävät myös elektronisia ääniä, joita vain syntetisaattorit voivat toistaa. Mutta mitä parempi instrumentti, sitä korkeampi sen hinta on – tämä luo tasapainon ja tämä on ainakin loogista.

Theremin

Elektronisten instrumenttien luominen juontaa juurensa XNUMX. vuosisadan lopulle, ja täällä isänmaallisten tunteidemme iloksi venäläinen tiedemies totesi Lev Thereminin – hänen mielensä ja kätensä loivat yhden ensimmäisistä täysimittaisista instrumenteista fysiikan ja sähkövoiman lait, jotka tunnetaan nimellä Theremin. Se oli melko yksinkertainen ja liikkuva muotoilu, jolla ei toistaiseksi ole analogeja – tämä on ainoa instrumentti, jota soitetaan koskemattakaan.

Muusikko liikuttelee käsiään soittimen antennien välisessä tilassa muuttaa värähtelyaaltoja ja muuttaa siten myös thereminin antamia säveliä. Instrumenttia pidetään yhtenä ihmiskunnan vaikeimmin hallitavista koskaan – sen hallinta ei ole ilmeinen ja vaatii erinomaista kuulotietoa. Lisäksi thereminin tuottama soundi on sanotaanko varsin spesifinen, mutta juuri tätä varten sitä muusikot edelleen arvostavat ja sitä käytetään äänityksessä.

Tellarmonium

Yksi ensimmäisistä elektronisista soittimista, tällä kertaa jo koskettimista, kutsuttiin Tellarmonium ja keksittiin Thaddeus Cahill Iowasta. Ja instrumentti, jonka tarkoituksena oli korvata kirkon urut, osoittautui todella massiiviseksi: se painoi noin 200 tonnia, koostui 145 valtavasta sähkögeneraattorista, ja sen kuljettamiseen New Yorkiin kului 30 rautatievaunua. Mutta sen luomisen tosiasia osoitti, minne musiikin pitäisi liikkua, osoitti kuinka paljon enemmän tekninen kehitys voi auttaa taiteen kehitystä. He sanoivat, että Cahill oli aikaansa edellä, ja he kutsuivat häntä laulamattomaksi neroksi. Kaikesta soittimen viehätyksestä huolimatta siinä oli kuitenkin vielä kehittymisen varaa: mainitsin jo sen kookkuuden, mutta lisäksi se aiheutti häiriöitä puhelinlinjoissa ja sen äänenlaatu oli varsin keskinkertainen jopa vuoden alun mittapuun mukaan. XNUMX-luvulla.

Urut ovat Hammondissa

Tietenkin monet tällaiset laajamittaiset keksinnöt johtivat niiden etenemiseen. Seuraava askel elektronisten instrumenttien kehityksessä oli ns urut Hammondissa, jonka luoja oli amerikkalainen Laurence Hammond. Hänen luomuksensa oli paljon pienempi kuin hänen vanhempi veljensä Tellarmonium, mutta silti kaukana pienoismallista (instrumentti painoi hieman alle 200 kiloa).

Hammond-urkujen pääominaisuus oli, että niissä oli erityiset vivut, joiden avulla voit sekoittaa signaalimuotoja itsenäisesti ja tuottaa lopulta omia viritettyjä, tavallisista urkuista poikkeavia ääniä.

Soitin on saavuttanut tunnustusta – käytetty usein todellisten urkujen sijaan amerikkalaisissa kirkoissa, ja sitä ovat arvostaneet myös monet jazz- ja rockmuusikot (The Beatles, Deep Purple, Yes ja monet muut). Mielenkiintoista on, että kun Hammondia pyydettiin olemaan kutsumatta soitintaan uruiksi, pyyntö lopulta hylättiin, koska komissio ei pystynyt erottamaan sähköurkujen ääntä oikeasta puhallinsoittimesta.

Äänien konsertti

Toisen maailmansodan jälkeen, joka tietysti pysäytti soittimien kehityksen, ainoa aiheemme kannalta merkittävä tapahtuma oli "Melun konsertti"toimittaneet ranskalaiset Pierre Henri и Pierre Schaeffer – Tämä on kokeellinen tapahtuma, jonka aikana Hammond-urkuihin lisättiin uusia generaattoreita, joiden avulla hän sai uusia sointilohkoja ja muutti soundiaan radikaalisti. Vaikka generaattoreiden tilavuuden vuoksi kaikki toiminta saattoi tapahtua vain laboratorioissa, konserttia voidaan tästä huolimatta pitää avantgarde-musiikin genren syntymänä, joka alkoi hitaasti yleistyä.

Merkitse

RCA (Radio Corporation of America) teki ensimmäisen yrityksen luoda syntetisaattoreita, jotka olisivat askel eteenpäin Hammond-urkuista, mutta yhtiön luomat mallit Merkitse I и Merkitse II ei saavuttanut menestystä, mikä johtui jälleen kaikkien silloisten elektronisten laitteiden sairaudesta – mitat (syntetisaattori vei kokonaisen huoneen!) ja tähtitieteelliset hinnat, mutta niistä tuli ehdottomasti uusi virstanpylväs äänisynteesitekniikoiden kehityksessä.

minimoog

Vaikuttaa siltä, ​​​​että kehitys on täydessä vauhdissa, mutta insinöörit eivät silti onnistuneet tekemään työkalusta yksinkertaista ja edullista, kunnes he pääsivät töihin John Moog, jo tuntemasi theremiinejä valmistavan yrityksen omistaja, joka lopulta toi jollain tavalla syntetisaattori lähempänä kuolevaisia.

Muki pystyi poistamaan kaikki prototyyppien puutteet luomalla minimoog – todella ikoninen soitin, joka teki suosituksi elektronisen musiikin genren. Se oli kompakti, kallis, vaikkakin kallis - 1500 dollaria, mutta tämä on ensimmäinen syntetisaattori, jonka hinnan lopussa on kaksi nollaa.

Lisäksi Minimoogissa oli soundi, jota muusikot arvostavat tähän päivään asti – se on kirkas ja tiheä, ja mikä hauskinta, tämä etu on seurausta haitasta: syntetisaattori ei voinut pitää järjestelmää pitkään aikaan, koska tiettyihin teknisiin puutteisiin. Muita rajoituksia olivat, että soitin oli monofoninen, eli se pystyi havaitsemaan vain yhden kosketinsoittimella painetun nuotin (eli sointujen soittamista ei ollut mahdollista), eikä se myöskään ollut herkkä näppäimen painalluksen voimalle.

Mutta kaiken tämän tuolloin kompensoi korkea äänenlaatu, jota elektroniikkamuusikot edelleen lainaavat (jotkut ovat varmasti valmiita myymään sielunsa samasta alkuperäisestä Minimoogista), ja todella laajat mahdollisuudet äänen modulaatioon. Projekti oli niin onnistunut, että moog oli pitkään tuttu nimi: sana moog tarkoitti mitä tahansa syntetisaattoria, ei vain tätä yritystä.

1960-e

1960-luvun alusta lähtien on ilmestynyt monia yrityksiä, joista jokainen on luonut oman markkinaraon syntetisaattoreiden luomisessa: Peräkkäinen Circuits, E-mu, Roland, ARP, Korg, Oberheim, eikä tämä ole koko lista. Analogiset syntetisaattorit eivät ole muuttuneet dramaattisesti sen jälkeen, ne ovat edelleen arvostettuja ja erittäin kalliita – mallit olivat klassisia syntetisaattoreita, joihin olemme tottuneet.

Muuten, Neuvostoliiton valmistajat eivät myöskään jääneet jälkeen: Neuvostoliitossa melkein kaikki tavarat tuotettiin vain kotimaassa, eivätkä instrumentit olleet poikkeus (vaikka joku onnistui kuljettamaan ulkomaisia ​​kitaroita yksittäisinä kappaleina, oli myös melko laillista ostaa instrumentteja Varsovan liiton liittoutuneet maat – Tšekkoslovakian Muzima tai Bulgarian Orpheus, mutta tämä koski vain sähkö- ja bassokitaroja). Neuvostoliiton syntetisaattorit ovat äänen kannalta erittäin mielenkiintoisia, Neuvostoliitolla oli jopa oma elektronisen musiikin maestro, kuten esimerkiksi Eduard Artemiev. Tunnetuimmat sarjat olivat Aelita, Nuoret,  lel, Elektroniikka EM.

Maailmaa ohjaa kuitenkin teknologisen kehityksen lisäksi myös muoti, ja taiteen osalta se on erityisen alttiina sen muuttuvuudelle. Ja valitettavasti tai onneksi, mutta jonkin aikaa kiinnostus elektroniseen musiikkiin hiipui, ja uusien syntetisaattorimallien kehittämisestä ei tullut tuottoisin ammatti.

Uusi aalto (New Wave)

Mutta, kuten muistamme, muodilla on omituisuus vuorotellen – 80-luvun alkaessa elektroniikkabuumi tuli taas yhtäkkiä. Tällä kertaa elektroniikka ei ollut enää jotain kokeellista (kuten innovatiivinen saksalainen 1970-luvun Kraftwerk-projekti), vaan päinvastoin, siitä tuli suosittu ilmiö, ns. Uusi aalto (Uusi aalto).

Mukana oli sellaisia ​​maailmankuuluja yhtyeitä kuten Duran Duran, Depeche Mode, Pet Shop Boys, A-ha, joiden musiikki perustui syntetisaattoreihin, tämä genre kehittyi myöhemminkin ja sen mukana nimi synth-pop.

Tällaisten ryhmien muusikot käyttivät aluksi vain syntetisaattoreita, joskus laimentaen niitä kitarasoundilla. Kolmen kosketinsoittajan (ja heillä oli molemmilla useampi kuin yksi syntetisaattori), rumpukoneen ja vokalistin kokoonpanosta on tullut normi, vaikka jos Tellarmoniumin luoja olisi kuullut siitä, niin hänen yllätyksellään ei olisi ollut rajoja. Se oli tanssimusiikin kukoistusaika, teknon ja housen aikakausi, täysin uuden alakulttuurin synty.

MIDI (soittimen digitaalinen käyttöliittymä)

Kaikki tämä antoi uuden sysäyksen nostaa jo ennestään pölyistä tekniikkaa. Analogiset tekniikat ovat kuitenkin digitaalisen aikakauden, nimittäin formaatin syntymisen, kannoilla MIDI (soittimen digitaalinen käyttöliittymä). Tämän jälkeen ilmaantui samplerit, joilla voit nauhoittaa halutut äänet itsenäisesti ja sitten toistaa ne käyttämällä MIDI-näppäimistöt. MIDI-rajapintojen kehitys on edennyt niin paljon, että meidän aikanamme periaatteessa riittää jo pelkkä näppäimistö, joka analogisiin malleihin verrattuna ei maksa käytännössä mitään. Se voidaan liittää tietokoneeseen (mutta tietokoneen on oltava tarpeeksi tehokas) ja tiettyjen yksinkertaisten manipulointien jälkeen toistaa musiikkia erityisillä VST-ohjelmat (Virtual Studio Technology).

Tämä ei kuitenkaan tarkoita, että vanhat mallit joutuisivat unohduksiin, koska piano ei kokenut samanlaista kohtaloa, eihän? Ammattimaiset elektroniikkamuusikot arvostavat analogia paljon enemmän ja uskovat, että digitaalinen ääni on laadultaan vielä kaukana siitä, ja VST:n käyttäjiä katsotaan hieman halveksuen…

Kuitenkin, kun verrataan kuinka paljon digitaalisten teknologioiden kehitys on edennyt ja kuinka paljon äänenlaatu on kasvanut, niin todennäköisesti analogisia soittimia tullaan käyttämään monta kertaa harvemmin, nytkin näkee usein kosketinsoittimia soittamassa kannettavilla tietokoneilla. konserteissa – kehitys, kuten näemme, ei koskaan pysähdy.

On erittäin tärkeää, että äänenlaadun ja monipuolisuuden parantamisen lisäksi ennen tähtitieteelliset hinnat ovat tulleet varsin edullisiksi. Joten halvimmat syntetisaattorit, jotka toistavat huonompia ääniä kuin Walpurgis Night ja eivät reagoi näppäimen painallukseen, maksavat noin 50 dollaria. Elite syntetisaattorit a la Moog Voyager Xl voivat maksaa 5000 dollarista, ja itse asiassa niiden kustannukset voivat kasvaa loputtomiin, jos esimerkiksi Jean-Michel Jarre valmistat työkalun tilauksesta. On mahdollista, että olen menossa hieman edellä, mutta suosittelen sinua etukäteen, jos haluat ostaa syntetisaattorin, älä säästä rahaa: usein alle 350 dollarin instrumentti ei miellytä sinua hyvä ääni, se voittaa vielä todennäköisemmin kaiken halun opiskella ja soittaa sillä.

Toivon vilpittömästi, että pidit siitä. Muista, että ilman historian tuntemista on mahdotonta luoda tulevaisuutta!

Jos et ole vielä lukenut artikkelia oikean sähköpianon valitsemisesta, voit tehdä sen nyt napsauttamalla linkkiä.

Alla oleva video näyttää esittelyn Mini Virtual Studiosta: